Густав Климт

Густав Климт
Густав Климт. Снимок 1914 года

Густав Климт: «Моих автопортретов не существует. Я не интересуюсь своей собственной персоной как объектом для изображения. Я предпочитаю других людей, особенно женщин, и, более того, другие формы существования…».

Ранние работы

Густав Климт
Шуберт за клавиром. 1896 год. Масло, холст. 150200 см. Утрачена в 1945 году

Лицо музыканта передано с необыкновенной фотографической точностью. Позади него надпись Anno Domini и дата создания работы, написанная римскими цифрами, — MDCCCLXXXX. Этот прием мастер позаимствовал у художников Средневековья.
Картина помещена в широкую медную раму, изготовленную старшим братом Густава. Методом чеканки на нее нанесен стилизованный античный рисунок, в котором также встречается изображение лиры — с ее помощью мастер намекает на профессию изображенного человека.
«Венский сецессион»

Период с 1891 по 1898 год — переходный в жизни Климта. В 1892 году умерли отец и младший брат Эрнест. Со временем живописец приходит к символично-эротической трактовке образов и выбору аллегоричных сюжетов, изменяет цветовую палитру.
Их девизом стали слова Людвига Хевеши, помещенные над входом в Дом сецессиона: «Времени — его искусство, искусству — его свободу».
Климт смело экспериментировал, искал свой стиль, не боясь критики и косых взглядов современников. В его работах этого периода можно увидеть черты как символизма, так и импрессионизма.
В 1898 году прошла первая выставка сецессиона, где Климт представил публике «Афину Пал- ладу» — картину, которая получила прозвище «демон сецессиона» и стала впоследствии символом нового объединения. Для создания этой работы художник впервые использовал золото.

Афина — древнегреческая богиня мудрости, правосудия и искусства. У Климта она — уверенная в себе и в своей победе суперженщина в доспехах и с оружием в руках. На нагруднике Афины — голова Горгоны, которая показывает язык всем критикам сецессиона, за ее спиной — изображение битвы Геракла с Лернейской гидрой.
Что касается техники исполнения и мотивов, то в этой работе отразились будущие предпочтения мастера как художника-портретиста.

Густав Климт
Зал старого дворцового театра в Вене. 1888 год. Гуашь, бумага. 91,2103 см. Музей Вены на Карлсплац (Вена, Австрия)

«Искусства, хор ангелов рая». Фигуры в этой части фрески означают радость и Божьи искры.
Климт создавал фриз с таким расчетом, чтобы произведение собственностью государства. В 1950-е годы сын Августа Эрих, эмигрировавший в Швейцарию, получил часть коллекции обратно, в том числе и «Бетховенский фриз», однако вывезти его из Австрии не смог. Частые транспортировки и неправильное хранение сделали свое дело: произведение нужно было срочно реставрировать. Австрийское правительство после долгих переговоров выкупило шедевр.

До 1985 года фриз нигде не выставлялся. С 1986-го он находится в Доме сецессиона. Лишь спустя почти 20 лет произведение отреставрировали и выставили на всеобщее обозрение в британской галерее Тейт (Ливерпуль).
К этому времени друзья совершенно разошлись во мнениях касательно работы, поэтому их дуэт распался. Однако именно этот год стал переломным, знаковым в творческой биографии Климта. Для оформления университета он создал три монументальных панно: «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция», которые стали причиной скандала, разразившегося вокруг художника и его творчества.
Климт выбрал свой путь, отличный от привычного академизма. Вместо того чтобы изобразить торжество наук в традиционной манере, мастер показал добропорядочной венской публике «настоящее» лицо каждой дисциплины:
«Философия» — обнаженная девица, которая ведет народ в никуда (написана темно-синим цветом);
«Медицина» бездушно отворачивается от толпы больных и умирающих, она больше похожа на жрицу, которая готова принести человека в жертву, а не вылечить его (выполнена красным цветом, в который синим шлейфом вплетается образ смерти);
«Юриспруденция» в лице трех фурий безжалостно обрушивается на человека-жертву (для этого панно мастер выбрал густой черный цвет).
Позже Климт так сформулировал смысл «Юриспруденции»: «Фигурная группа слева — пробуждение жизни, плодотворное бытие, исчезновение.
Композиция всех трех работ асимметрична: человеческие тела на них противопоставлены пустотам фона.
Панно вызвали всплеск негативной критики: уважаемая профессура сочла их порнографическими. Именно в этих работах впервые так ярко проявился эротизм, свойственный творчеству художника.

Работа «Золотые рыбки» (первоначальный вариант названия — «Моим критикам») была написана в ответ на острую негативную оценку факультетских картин. Откровенный ракурс рыжеволосой бестии на переднем плане говорит сам за себя. Такая смелость и свобода суждений требовали полной финансовой независимости. И Климт нашел отличный способ заручиться поддержкой влиятельных людей Вены. Он стал писать портреты их жен!
Женские образы

Теперь Климта не волновали ни общественное мнение, ни мода. Он мог себе позволить писать то, что нравилось, и так, как хотелось. Став лидером «Венского сецессиона», художник начал смело экспериментировать.
К ранним относятся портреты сестры Клары и племянницы Хелены Климт.

Густав Климт
Обеденный зал во дворце Стокле (Брюссель). Общий вид мозаики

Ранние портреты

Хелена Климт — шестилетняя племянница художника, который после смерти брата Эрнеста стал ее опекуном. Повзрослев, Хелена начала работать в доме моды сестер Флёге и со временем (после смерти матери) стала его совладелицей.
Стрижка «под пажа», челка до бровей, узкая полоска лица. Светлое платье и фон контрастируют с темными каштановыми волосами. Как и другие ранние работы Климта, этот портрет поясной.
Некоторые портреты этого периода оставили в тайне имена моделей, которые позировали художнику. К ним относится, например, незнакомка, изображенная на картине «Дама в шляпе из боа и перьев».

Для художника зачастую важно не столько то, кого он изображал на полотнах, сколько сама возможность любоваться замечательными женскими образами. Все они написаны в своеобразной климтовской манере, основанной на смеси импрессионизма, орнаментального искусства и символизма. Более поздние образы уже совершенно другие.

в саду, что не свойственно другим портретам, где фигуры написаны в интерьере.
В 1899 году по заказу Августа Ледерера Климт написал портрет его жены Серены. Формат холста вытянут по вертикали, и стоящая фигура занимает почти все свободное пространство. Задний фон не дает представления о том, где находится модель: она словно вне времени и пространства.

«Венский сецессион» мог осуществлять свою деятельность лишь при хорошей спонсорской помощи.
В работах, созданных художником в период с 1898 по 1903 год, есть черты как символизма, так и импрессионизма.
Это первая работа, которую Климт написал в новой манере: типичный классический, а не психологический женский портрет (он не призван показать глубину внутреннего мира модели, ее переживания).
Художник наделил Соню мечтательным выражением лица. Но в то же время ей присущи некоторые надменность, равнодушие и отчужденность. Композиционно картину можно разделить по диагонали на две части: Климт противопоставляет темное и светлое, задний план и передний, пустоту и наполненность. С одной стороны, фрау Книпс реалистичная и живая, с другой — недоступная и далекая. Левой рукой она держится за подлокотник, словно хочет встать. Модель изображена
На пастельном фоне выделяются выразительное лицо в обрамлении темных волос и черные густые брови. Реализм в изображении лица и рук сочетается с воздушностью одежды: платье струится вдоль ног героини — кажется, что она «рождается» из морской пены. Эффект усиливается за счет того, что на переднем плане картины практически нет свободного пространства: Серена будто не стоит на земле.
Эрмине Галлия, урожденная Гамбургер (1870-1936). В 1893 году вышла замуж за своего дядю, Моритца Галлию, правительственного советника, который был одним из наиболее щедрых меценатов того времени.
Примечательно, что женщина изображена в платье, которое разработал сам Густав Климт. К сожалению, невозможно увидеть истинные цвета, использованные мастером, поскольку пигменты (один из компонентов краски) этой картины с течением времени претерпели значительные изменения.
Такова одна из характерных черт портретов этого периода: Климт обрезает нижний край фигуры: платье модели уходит за пределы рамы, ноги не видны, что создает впечатление парения героини. Этот эффект усиливается и за счет контраста: в портрете Серены это белое платье и темные волосы, в портрете Марии Хеннеберг — светлое платье, темные волосы и букетик фиалок.
В 1905 году Климт написал портрет Маргарет Стонборо-Витгенштейн — один из интереснейших женских образов. Эта современная и образованная девушка принадлежала к венской элите. Портрет заказал отец в качестве подарка ко дню свадьбы. Невеста известного американского врача Томаса Стонборо в белом платье на светлом фоне мечтательно смотрит вдаль. Известно, что она осталась не очень довольна работой художника.

Художник знал, как угодить мужьям: он рисовал их жен с безмятежным и мечтательным выражением на лице, придавая им напускное равнодушие, надменность, отрешенность от мира.
Вена любила именно такого Климта. В конце века умы интеллигенции занимала тема борьбы полов, господства женщины над мужчиной. В салонах не прекращались дискуссии по этому поводу, высказывались различные мнения. Богатая и привередливая публика была удовлетворена работами художника, покровители из высшего общества не отказывали в спонсорской помощи сецессиону.
Отношения Эрнеста и Хелены развивались стремительно и увенчались свадьбой. А вот Густав и Эмилия так и не поженились, хотя на протяжении всей жизни оставались близки.

Милую 13-летнюю девочку к Климту привел отец — краснодеревщик Герман Флёге (со временем разбогател и стал первым во всей империи фабрикантом курительных трубок). Видя способности дочери к рисованию, он решил отдать ее на обучение к художнику. Эмилия не стала заниматься живописью профессионально, но уроки тем не менее не прошли даром. Все сестры Флёге замечательно шили. Старшая Полина открыла школу для швей. Некоторое время там училась и Эмилия.

Приблизительно в одно время мастер написал два портрета юной красавицы. Гораздо позже знакомые черты появятся и в других работах мастера, а пока…
Других мужчин, кроме Климта, в жизни Эмилии просто не существовало. Когда девушка поняла, что надеяться на семейную жизнь с любимым человеком бессмысленно, она обратилась за советом к известному в то время профессионалу- психоаналитику — Зигмунду Фрейду.
Прислушавшись к совету, Эмилия вместе с Хеленой открыла Дом моды, который пришелся по вкусу буржуазной публике. Молодая женщина стала независимой, материально обеспеченной и смогла «вылечиться» от патологической любви к маэстро. Однако отношения не сошли на нет, они просто стали другими: более спокойными, дружественными. Художник называл Эмилию лучшим другом, ценил ее советы и с удовольствием проводил с ней время. Иногда они появлялись вместе на светских мероприятиях.

Густав Климт
Портрет Эмилии Флёге в 17 лет. 1891 год.

Климт выбрал узкий вертикальный формат и изобразил Эмилию в полный рост. Решительность и уверенность передает и поза героини: левая рука упирается в бедро, голова гордо поднята, открытый взгляд устремлен на зрителя.
Художник «одел» девушку в непривычное для того времени, придуманное им самим платье: лес и поле словно выткали ковер и укутали стройную фигуру своим орнаментальным шлейфом.
Публика восприняла этот портрет как вызов. В то время в моде были платья с многочисленными рюшами и оборками, а тут такое! Даже мать художника выразила недовольство по поводу слишком глубокого декольте, выходящего, по ее мнению, за рамки приличия.
Климт и Флёге были вместе 27 лет. Несмотря на многочисленных женщин, в самые сложные моменты жизни мастера (смерть отца, брата, матери) рядом была только Эмилия. Она была с ним до конца.
На портрете 1907 года 26-летняя Адель изображена сидящей в кресле. Фигура занимает всю правую часть полотна и кажется обрезанной сверху.
Всю нижнюю треть полотна занимает подол платья модели. Адель, как и Эмилия, смотрит на зрителя. Руки сцеплены перед грудью. Холодные тона и реалистическое изображение лица и рук контрастируют с теплыми золотыми элементами композиции, выделяются на фоне орнаментов. Черные волосы и непропорционально большие красные губы еще больше приковывают взгляд к лицу дамы, изображенной в столь необычной манере.
На Адели обтягивающее платье и шаль. Все усеяно излюбленными климтовскими мотивами: спирали, «всевидящее око», вписанное в треугольник, квадраты, прямоугольники. Сложно угадать, где в этом калейдоскопе узоров кресло. Нет никаких теней, глубины пространства, изображение плоскостное, орнаментальное.
Австрия лишилась своей визитной карточки в 2006 году. Наследница (дочь брата Фердинанда Блох-Бауэра) Мария Альтман продала «Золотую Адель» Рональду Лаудеру за рекордные 135 миллионов долларов. Однако этому предшествовал затяжной семилетний судебный процесс по возвращению ей семейных ценностей (в том числе и портрета Блох- Бауэр), утраченных в годы войны.

Австрийское правительство пыталось спасти национальное достояние: велись переговоры с банками о займе денег на выкуп картины у Альтман, население собирало пожертвования. Однако все усилия были напрасны: сумма в 300 миллионов долларов (именно во столько были оценены пять картин Климта) оказалась слишком велика.

Это вызвало на родине Климта настоящую «художественную» катастрофу. Сложно представить себе Бельведер без «Золотой Адели», ведь именно репродукция этой картины украшает обложки всех австрийских путеводителей. Герберт Фроди (директор галереи) назвал случившееся «неизмеримой потерей для музейного собрания и для культурного пространства Австрии в целом». Миллионы австрийцев лишились своей иконы. Сейчас полотно находится в Новой галерее в Нью-Йорке (ее владельцем является американский предприниматель Рональд Лаудер).
Однако этот портрет Адели — вовсе не единственный.
Черноволосая красавица в огромной шляпе изображена по центру в фас, она смотрит поверх зрителя куда-то вдаль. Фон разбит на большие плоскости, орнаментально организованные в духе Климта по мотивам восточных тканей. Цвета нежные и сочные.

Густав Климт
Любовь. 1895 год Масло, холст. 62,546,5 см. Музей истории искусств (Вена, Австрия)

В это время художник стал немного отходить от привычного обилия золота. В этом портрете, как и в других работах того времени, фигура уверенно стоит на ногах, нет больше той иллюзии полета и парения, которая создавалась за счет обрезанного платья, уходящего за пределы рамы. Чувствуется влияние Матисса.
Второй портрет Адели также покинул родную Австрию: в 2006 году он был продан за 88 миллионов долларов в частную коллекцию.
Есть и другие, более ранние работы, моделью для которых была Адели Блох-Бауэр. Ее можно без особого труда узнать в «Юдифи I», а также в «Юдифи II».

«Золотой период»
C 1903 года Климт много путешествовал: он побывал в Венеции, Равенне, Флоренции, Мадриде, Риме, Брюсселе. После этого начинается «золотой период» его творчества: новую технику художник позаимствовал у итальянских мастеров. Позолота, рельефное изображение орнаментов, декоративность — вот характерные черты работ этого времени.
В портрете Фрицы Ридлер 1906 года видны золотые поверхности фона, которые могут быть и стенами, и полом. Художник легко сочетает схематичность, эскизность изображения и точную проработку деталей. Фрица сидит в кресле, орнамент которого выполнен из павлиньих глаз. Как и в других женских портретах, в ее образе сочетаются нежность и покорность со скрытой эротичностью и страстью.
Портрет Ридлер напоминает работу Диего Веласкеса, на которой изображена инфанта Мария Тереза. Позади головы Фрицы — полукруг из прямоугольных орнаментальных элементов, очень похожий на прически, которые носили во времена инфанты.
Эта работа имела немаловажное значение в дальнейшем творчестве Климта. Именно тут впервые встретились закрытые участки фона, покрытые золотом, наметилась тенденция к геометризации, проявившейся в полную силу в портрете Адели Блох-Бауэр (1907).
Женские портреты «золотого периода», написанные с 1903 года, объединены единым стилевым решением. Все модели словно растворились в золотом орнаменте, фигуры потеряли свои очертания — они словно «плывут» в вымышленном мире Климта.
Одним из знаковых полотен этого периода является своеобразный гимн любви — «Поцелуй».

Климт утверждал, что никогда не писал автопортреты, но Жиль Нере уверен, что на картине «Поцелуй» он все же изобразил себя и Эмилию Флёге. В образе героини улавливаются похожие черты и Эмилии, и Адели Блох-Бауэр, и рыжеволосой натурщицы Хильды Рот. В лице девушки на этом полотне художник создал собирательный образ женщины.
Он — взрослый зрелый мужчина, она — юная и цветущая. Желание, страсть, напряжение. Они на грани, на краю обрыва. Одни во Вселенной. Мужчина и женщина слились в одно целое, готовы раствориться друг в друге, всепоглощающее счастье завладело их телами и разумом.
Аура полотна завораживает: от него невозможно отвести взгляд. Каждый видит в картине что-то свое: страсть, нежность, смирение или даже принуждение и покорность.
Впечатляет и обилие золота. Большая часть поверхности полотна сияет: это и одежда героев, и стебли растений, и капли на фоне. Вероятно, это тоже сказалось на высокой оценке произведения, ведь драгоценный металл всегда ассоциировался с мистикой, считался признаком материального достатка и значимости.
Не зря эту картину называют «золотой иконой югендстиля».
Несмотря на то что «Поцелуй» был написан всего на год позже «Золотой Адели», в нем отчетливо видны некоторые изменения в технике изображения фигур. Лишь на первый взгляд картины очень похожи. Так, например, Адель помещена в правую часть холста и органично включена в рисунок фона: ее одежда, распадаясь на бесконечное число квадратов, окружностей и треугольников, становится его неотъемлемой частью.
А вот в «Поцелуе» мастер поступил совершенно иначе: мужская и женская фигуры расположены в центре полотна и выделены из общего нейтрального фона. Кроме того, предельно четко обозначены границы цветочной поляны, на которую художник поместил слившуюся в объятиях пару. Еще одно существенное различие картин заключается в манере изображения женских лиц.
После того как венцы высказали восхищение «Поцелуем», Климт позволил себе более откровенный сюжет: в «Данае» женская сексуальность достигает своего апогея. По легенде, царь Аргоса Акрисий, узнав, что будет убит собственным внуком, заточил дочь Данаю в медный терем и приставил к ней служанку. Он надеялся, что таким образом надежно укрыл ее от мужчин. Однако, несмотря на такие предосторожности, Данае все же суждено было стать матерью Персея: пленившись красотой девушки, в виде золотого дождя к ней проник Зевс.
Ничуть не стесняясь, Климт написал героиню в момент любовного экстаза. Этот сюжет использовали многие мастера, например Мабюз (1527), Тициан (1545-1546, 1553-1554), Тинторетто (1580) и Рембрандт (1636-1647). Однако никто из них не изображал Данаю в столь откровенной позе.
И снова на картине нет никаких отвлекающих внимание подробностей. Искаженная перспектива, выбор необычного ракурса, золотой вычурный орнамент — все это призвано показать естественную женскую красоту. Тело Данаи является своеобразным орнаментальным шифром. Зритель как бы присутствует при очень интимном акте, но в то же время находится на расстоянии.

Густав Климт
Густав Климт с Эмилией Флёге в саду виллы «Олеандр» близ Аттерзее

Долгое время искусствоведы не обращали должного внимания на изображения окружностей, которыми украшено покрывало в правой части холста. Лишь спустя несколько десятилетий биологи идентифицировали их как пузырек бластоцисты (ранняя стадия эмбрионального развития млекопитающих). Вероятно, подобные знания Климт почерпнул из научных лекций, которые читал в своем доме муж Берты Цукеркандль (он был известным венгерско-австрийским анатомом).

Интересно, что «Даная» — первая аллегорическая картина, для создания которой художник отказался от вытянутого вертикального формата, отдав предпочтение квадрату. Слева в нижней части полотна можно отыскать небольшой черный прямоугольник — символ мужского начала (его изображение встречается и в других работах мастера, например в «Поцелуе», где черные и белые прямоугольники на плаще мужчины резко контрастируют с окружностями на одежде его возлюбленной, противопоставляются им).
В 1909 году Климт отправился в Париж, где открыл для себя Анри де Тулуз-Лотрека, познакомился с произведениями Винсента Ван Гога, Поля Гогена и Пабло Пикассо, а также лидера течения фовизма Анри Матисса. Его работы впоследствии оказали большое влияние на творчество австрийского «мастера золотой кисти» (это отчетливо видно в картине «Дева», где желтые, зеленые, красные, синие и фиолетовые цвета становятся своеобразным символом жизни, побеждающей безмятежность сна).

Наследники Стокле пока не решили, что делать со зданием, поэтому для туристов, к сожалению, вход внутрь закрыт, во дворце уже много лет никто не живет.

Последняя монументальная работа Климта — фриз для обеденного зала в брюссельском дворце. Художник создал эскизы мозаичного панно, а Леопольд Форстнер выполнил работу в материале.
Мозаики расположены на трех стенах: две крупные фигурные секции установлены друг напротив друга, между ними — небольшая декоративная вставка. Они сложены из различных материалов: мрамора, керамики, позолоченных плиток и эмали, украшены жемчугом и полудрагоценными камнями.

Для реализации задуманного Хоффман привлек команду профессионалов, в числе которых был и Климт. Увлеченный идеей «тотального произведения искусства» и не ограниченный в денежных средствах, архитектор создал нечто совершенно новое, не имеющее аналогов, но породившее впоследствии множество подражаний.
Пейзажи
Отдельную часть наследия Климта составляют пейзажи. Его непреодолимо манили кристальные озера, высокие горы и густые леса. Особенно любил он окрестности озера Аттерзее на севере области, где часто отдыхал с Эмилией Флёге. Там он написал многочисленные пейзажи.
Это не заказные работы: мастер создавал их в моменты отдыха. В отличие от большинства портретов и декоративных полотен, выполненных на вытянутых вертикальных холстах, практически для всех пейзажей выбран квадратный формат. По мнению Климта, квадрат — самая стабильная форма, статичная и завершенная.
Особенность этих работ заключается в том, что при детальном рассмотрении они словно распадаются на сотни и тысячи мозаичных фрагментов. Некоторые исследователи творчества художника предполагают, что он предварительно рассматривал в телескоп то, что собирался написать.
В манере изображения воды прослеживается творческое влияние импрессионистов: передача бликов на воде, светотени и мерцания света, а также четкое разделение мазков, использование светлых оттенков красок. Особенно заметно это в картинах «Болото» и «Остров на Аттерзее».

В этих работах художник уделял внимание не только тщательной прорисовке водной глади, но и архитектурным деталям старинного замка, построенного в XIII веке.
К слову, Каммер и его живописные окрестности мастер изображал неоднократно. Одна из первых работ датируется 1908 годом.
По мнению исследователей творчества Климта, в этой работе отчетливо прослеживается влияние Ван Гога: это и выбор цветовой палитры, и рельефные мазки. Практически вертикально устремленные вверх ветви символизируют внешнюю упорядоченность и гармонию природы.
Одной из наиболее известных работ считается «Замок Мальчезине на острове Гарда» (художник отдыхал там вместе с Эмилией в 1913 году). Центральное место на полотне занимает средневековый замок Скалигеров — мощное оборонительное сооружение, вокруг которого со временем и вырос городок Мальчезине. К сожалению, картина была утрачена в 1945 году.
Единственной сохранившейся работой с изображением Гарды является «Церковь в Кассоне» (другое название — «Пейзаж с кипарисами»). Курортный городок написан из лодки. На полотне нет неба: композиционным центром становятся здания. Большую часть картины занимает старинная церковь.

Пышные кроны шарообразных деревьев и темные кипарисы уравновешивают светлые постройки.
Судьба картины сложилась непросто. Изначально она принадлежала Виктору и Пауле Цукеркандль.
Несколько десятилетий судьба картины была неизвестна, однако в 1962 году она была выставлена в Австрии с пометкой «Из частной коллекции». После сделки, заключенной между неназванным владельцем пейзажа и ее законным хозяином, сыном Матильды Редлих, в 2010-м «Церковь в Кассоне» была продана на аукционе Sotheby’s более чем за 43 миллиона долларов. Это один из самых дорогих пейзажей Климта.

Густав Климт
Группа художников, основавших «Венский сецессион» (Климт сидит на троне).

Для ранних пейзажей Климта было нехарактерно использование темных красок. А вот поздние работы написаны в более насыщенных тонах, что придает им загадочность.
К 1901 году относится «Берег озера с березами»: сверкающая водная гладь, правую часть холста пересекают два гибких ствола. Эту картину отличают неожиданный ракурс, контрасты форм, одновременно единство и запутанность композиции. Так, деревья справа написаны с очень близкого расстояния, а противоположный берег слева изображен в обратной перспективе. Вытянувшиеся березы пересекают треугольный кусочек озера, форму которого повторяет отражающийся в нем куст. Серебристо-белые стволы на переднем плане контрастируют с темными деревьями вдали, пышная зеленая трава и россыпь желтых цветов — с голубой гладью озера.
Интересно, что об этой картине прославленного австрийца стало известно совсем недавно. В 1902 году пара из Нидерландов приобрела ее на выставке в Дюссельдорфе.

Климту (хотя художник, как правило, не делал эскизов для пейзажей). Кроме того, был обнаружен ранее неизвестный снимок с выставки, проходившей в 1902 году в Доме сецессиона. На одной из стен отчетливо виден «Берег озера с березами».

На нем отчетливо выделяются бело-серые стволы с черными пятнами. Совершенно невероятным образом всего лишь с помощью нескольких цветов Климт добивается потрясающей реалистичности в изображении ландшафтов.
Верхний край всех лесных полотен обрезан, поэтому на них становятся многократно повторяющиеся стволы деревьев. Такая вертикальность делает их похожими на тканые гобелены («Сосновый лес», «Буковая роща», «Березовый лес»).
В «Буковой роще» большая с часть холста отведена пестрому фону — ковру из опавших листьев практически отсутствует свободное пространство, которое так не нравилось художнику (исключение составляет «Буковая роща», где вверху между стволами кое-где виднеется небо). В этих работах нет даже намека на присутствие человека или животного, однако изображение природы не лишено жизни: все ландшафты дышат, грустят, радуются. Осень наполняет их не только красками, но и шелестом опавшей листвы, ее прелым ароматом.
Несмотря на то что художник воспроизводил увиденное «здесь и сейчас» (при работе над пейзажами он, как правило, даже не делал карандашных набросков), эти картины нельзя отнести к импрессионистическим. В отличие от представителей данного направления, «мастера золотой кисти» интересовало не простое созерцание ландшафтов и их воспроизведение на холсте.
Особняком стоит пейзаж с тополем, где художник передал необычное состояние природы: надвигающуюся грозу в сумерках. От картины веет беспокойством, таинственностью. Композиционно большая часть холста отдана небу:
облака причудливой формы сгущаются над тополем-исполином. Силуэт дерева, возвышающегося позади маленькой часовни, похож на смерч, который вот-вот поглотит все, что попадется ему на пути. В изображении кроны Климт использует приемы пуантилистов: пишет мелкими мазками, почти точечно.
Такая же живописная манера характерна и для более поздних работ, где, кроме этого, наблюдается еще асимметрия, разрыв плоскостей и интенсивная цветовая гамма. Их отличительной особенностью является довольно богатая цветовая палитра и мелкие, дробные мазки. Именно благодаря этим приемам мастеру удавалось четко структурировать композицию. Исключением является работа 1898 года — «Фруктовый сад», где использовано всего несколько красок.

Работы с изображениями цветов (например, «Цветочный сад», «Поле маков», «Цветущая нива») напоминают пестрый узор на ситцевой ткани: они словно составлены из многократно повторяющихся мозаичных кусочков.
В отличие от импрессионистов, мастер не увлекался передачей света и тени: его цветочные пейзажи довольно схематичны, предельно декоративны и детализированы (в этом прослеживается типичное для модерна влияние Востока).
«Поле маков» — одна из наиболее обманчивых картин Климта. Примечательно, что в данной работе (впрочем, это относится и к «Цветущей ниве», написанной двумя годами позже) есть намек на перспективу: размеры маков и деревьев по мере приближения к горизонту становятся меньше.
Эротическая и натуралистическая графика

Густав Климт был выдающимся рисовальщиком. Прежде чем приступить к созданию картины, он делал множество набросков и зарисовок.
Многие рисунки Климта являются самостоятельными произведениями искусства, которые раскрывают секреты творческой манеры художника и его видение мира. В живописных полотнах необузданная сексуальность моделей частично скрыта яркими декоративными одеждами и орнаментами фона. А вот рисунки открывают совсем другого Климта.
Отдельная часть наследия, оставленного мастером, — откровенно эротические произведения (некоторые из них критики относят к числу лучших работ Климта). В них он показывает женщину в самые интимные моменты: на пике наивысшего наслаждения, в момент безудержной страсти или безмятежного сна после любовных ласк (к ним, например, относятся «Лежа на животе», «Лежащая обнаженная», а также подготовительный эскиз к «Данае»). Художник любуется ими и восхищается, делится своими эмоциями со зрителями. Женщины на его рисунках сексуально раскрепощены и необыкновенно сверхчувственны.
Некоторые графические работы отличаются невероятной реалистичностью. К их числу относится «Обнаженная II»: с поразительной точностью, используя лишь черный мел и белый карандаш, мастер изображает обнаженную женскую натуру.

Густав Климт
Деревенский сад с подсолнухами. 1906 год. Масло, холст. 110110 см. Галерея Бельведер (Вена, Австрия)

Последние годы жизни. Поздние произведения
Работы, созданные Климтом в период с 1910-1911 по 1917-1918 годы, можно отнести к поздним. В них прослеживаются черты, отличные от предыдущего «золотого» этапа творчества: исчезает обилие позолоты, а в образах появляется экспрессия, наблюдается сочетание символизма и экспрессионизма.
С полотен исчезают таинственные и коварные обольстительницы. На смену им приходят ласковые и нежные женщины («Дама в черной шляпе»). Фигуры вытягиваются, их контуры выглядят более округло. Художник использует более яркую цветовую палитру, мазки становятся свободнее, а мелкий геометрический узор вытесняют цветочные мотивы в восточном стиле.
«Мать с детьми» — одна из немногих поздних работ мастера, где присутствуют черты экспрессионизма.
И мать, и ребенок, и младенец — все изображены с закрытыми глазами; кажется, будто они мирно спят. Однако на самом деле у Климта изображение сна всегда было приближено к смерти. На это намекают и достаточно темные тона картины. Хотя такой выбор цветовой гаммы может символизировать и бедственное положение семьи: нищету, скитания, лишения.

Картина «Девушка» — своеобразная история превращения юной красавицы в женщину. Главная героиня — молодая девушка. Она лежит, мечтательно закрыв глаза и раскинув руки — невинно и вместе с тем откровенно сексуально. Ее окружают полуобнаженные женщины, более опытные и искушенные.

Зритель невольно становится свидетелем только-только пробуждающихся чувств. Климт изобразил скопление людей, пестрый водопад тел и ярких одежд. Они слились в причудливых позах, перемешавшись с декоративными элементами фона. Как всегда, тела написаны реалистично, в нежных оттенках розового, а ткани — грубо, стилизованно, яркими красками.
Семья жила в Моравии, поэтому первые наброски мастер выполнял на расстоянии. Когда же начались сеансы в студии в Вене, девочке разрешено было двигаться по мастерской, играть с китайскими тканями, которых вокруг было множество, сбрасывать из окна на головы прохожим бумажные шарики: ей было всего девять лет, поэтому долго находиться без движения она попросту не могла.

Художнику пришлось создать множество этюдов, прежде чем выбрать окончательный вариант позы: Меда стоит прямо, правая рука упирается в бедро, взгляд устремлен прямо на зрителя. Ее фигура в светлом платье резко выделяется на фоне однотонной фиолетовой стены.
В 1913-м Климт написал портрет матери Меды, актрисы Евгении Примавези, на ярко-желтом цветочном фоне.

Незадолго до смерти художник создал серию замечательных портретов (баронессы Элизабет Бахофен Эхт, Фредерики Марии Беер), в которых прослеживается влияние японского искусства. Создается впечатление, что женщины написаны на фоне стены, завешенной гобеленами с изображением человеческих фигур. Платья также несут отпечаток восточных традиций.
Элизабет Бахофен Эхт — дочь богатого еврейского промышленника Августа Ледерера. Хрупкость девушки уравновешивает треугольный орнамент на стене, который защищает ее, словно волшебный плащ.
Фредерика Мария Беер — богатая наследница и тонкий знаток искусства. Примечательно, что она была единственной женщиной, которую написали два крупнейших австрийских художника той эпохи: Густав Климт и его ученик Эгон Шиле, который, кстати, опередил учителя на два года.
На первый взгляд, изображения Элизабет Бахофен Эхт и Фредерики Марии Беер довольно похожи и по технике, и по манере исполнения. А вот на портрете светской дамы и щедрой покровительницы Фредерики Марии Беер они уже значительно крупнее, их мечи и копья скрещиваются прямо за ее спиной. Из-за этого противопоставления динамичной битвы хладнокровному спокойствию модели в картине чувствуется определенное напряжение. Некоторые исследователи творчества мастера склонны полагать, что одной из причин создания такого фона послужило время написания картины, пришедшееся на разгар Первой мировой войны.
Кульминацией этого периода стала «Танцовщица» — девушка с желтыми лилиями в руках. По одной из версий, это доработанный (вернее, переработанный) портрет Рии Мунк II, который не понравился матери девушки. Особенность этой картины заключается в невероятном количестве цветов: они занимают значительную часть фона, теснятся в пышном букете на столе. Кроме того, их стилизованные изображения присутствуют даже на халате героини: кажется, будто он усыпан распустившимися цветами.
Несмотря на это, фигура танцовщицы не растворяется в таком обилии ярких красок.
В 1916 году Климт закончил работу над картиной «Подруги». К сожалению, она не сохранилась (утрачена во время пожара в 1945 году). Совершенно безо всякого стеснения художник рассказывает о лесбийской любви. Героини изображены с невероятной теплотой, которая подчеркнута мягкими тонами, нежными тканями и сказочными птицами на спокойном однотонном фоне. Длинная шея девушки на переднем плане и ее обернутая тюрбаном голова придают работе оттенок классического величия.

Амалия Цукеркандль — еще одна героиня Климта, близкая родственница известной журналистки и художественного критика Берты Цукеркандль, с которой художника связывали дружеские отношения. Берта посвятила творчеству мастера-новатора множество своих публикаций в прессе.
Портрет Амалии остался незавершенным: дописаны лишь голова и плечи. А вот роскошное бальное платье, в котором она позировала, практически не готово. Его великолепие угадывается лишь по предварительному рисунку углем.
На картине «Адам и Ева» снова появляется сияющая белизной кожи женщина-обольстительница. Шкура хищного зверя у ее ног символично намекает на истинную сущность. За спиной Евы — мужчина. Его фигура значительно темнее, он изображен с закрытыми глазами. Очень похожий прием, позаимствованный из античной живописи, Климт использовал в «Поцелуе». Мужская фигура введена практически как фон, чтобы показать все прелести истинной героини — женщины.

«Младенец» на первый взгляд напоминает всего лишь фрагмент картины, а не самостоятельную работу. Это полотно Климт написал специально для выставки в Стокгольме, проходившей в 1917 году. Малыш, изображенный на нем, — словно царь. Не важно, что сейчас он такой крошечный (видна лишь голова, все остальное пространство занимает огромное лоскутное одеяло). Он царь, весь мир у его ног — Климт сознательно не помещает малыша в центр картины, а «поднимает» его наверх почти к самому краю.

Густав Климт
Цветущая нива. 1909 год. Масло, холст. 110110 см. Музей искусств Карнеги (Питтсбург, США)

На трех поздних полотнах художника изображена девушка по имени Рия Мунк — дочь богатого еврейского промышленника. В 1911 году в возрасте 24 лет она покончила с собой из-за несчастной любви. Мать, Аранка Мунк, заказала Климту портрет девушки. Из трех вариантов ей понравился лишь последний, который, увы, остался незавершенным. Два других она сочла неудачными. Кстати, до сих пор доподлинно неизвестно, как выглядел второй вариант полотна.
Интересна в заключительном варианте и манера письма: художник изображает девушку вполоборота, на ее устах играет загадочная безмятежная улыбка. Он окутывает героиню декоративными фонами в восточном стиле. Лицо и окружающие детали дописаны, чего нельзя сказать о платье.
Аранка Мунк трагически погибла в концлагере. Третий вариант портрета находился на ее вилле, где его обнаружили сотрудники гестапо. В 1950 году картину передали музею города Линц, а в 2009-м возвратили во владение Мункам, которые вскоре продали ее примерно за 253 миллиона долларов.
Одна из последних картин Климта — «Невеста» — так и осталась незавершенной. Она полна тайн и загадок и имеет много общего с «Девой». Одетую в синее невесту, помещенную в центр холста, окружают ее фантазии, возможно, страхи и предчувствия. Среди фигур в левой части полотна угадывается лицо жениха, окруженного женщинами (вероятно, с которыми у него была связь ранее).
Недосказанность сюжета создает некоторую напряженность и двоякость трактовки происходящего — именно в этом и заключается сила данной картины. Примечательно, что ее незавершенность дает все основания полагать, что изначально Климт рисовал своих героинь обнаженными и лишь затем «одевал» их.
В январе 1918 года Климт перенес инсульт и впал в кому, из которой так и не вышел. Великий австриец умер 6 февраля в возрасте 55 лет от пневмонии. Многие картины остались незаконченными, поскольку он одновременно работал над несколькими произведениями.
Рухнула великая Австро-Венгерская империя, а вместе с ней — огромный пласт культуры, символом которой был необыкновенно талантливый и до конца не разгаданный Густав Климт.
Новаторство гениального художника югендстиля признали еще при жизни: в 1917 году незадолго до смерти он стал почетным членом Венской и Мюнхенской академий изящных искусств. Климта считали «Фрейдом живописи», «мастером золотой кисти», несомненно талантливым, оригинальным, ярким и завораживающим художником своего времени, чье искусство не потускнело со временем, как и золото на его полотнах.

Густав Климт австрийский художник основоположник модерна

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Culture and art