Залы галереи
Все виды музейной работы (каталогизаторской, исследовательской и просветительной) отражаются в систематическом размещении художественных произведений в Залы галереи экспозиции.
Размещение картин в музее имеет важное значение для их восприятия. Направление света помогает выявить художественные качества картин: верхний свет (освещение через стеклянный потолок) дает возможность наилучшим образом рассмотреть тщательно отделанные, гладкие, но яркие по краскам полотна старинных художников.
Верхний свет хорош также для сложной по сюжету живописи 60-80-х годов, для психологических портретов этого времени.
Освещение через окна-боковой свет-необходимо для выявления художественных достоинств живописи древнерусских мастеров, для пейзажей, написанных под открытым небом, для некоторых произведений советской живописи.
Большую роль играет тесное или пространное размещение картин на стене. Последнее изолирует художественные произведения от нежелательно близкого соседства чуждых по краскам, композиции и рождаемому ими впечатлению других картин. Для монументальных произведений очень важна возможность отхода, позволяющая воспринять общий вид картины издали.
Сотрудники галереи стремятся разместить произведения искусства так, чтобы легко можно было видеть, как развивается творчество одного автора или родственной группы художников, объединенных единым направлением.
Постоянно изменяемая и улучшаемая экспозиция галереи дает возможность проследить историческую последовательность развития русского искусства на протяжении ряда веков; она знакомит также с возникновением советского искусства, его развитием и состоянием в настоящее время.
Отдел древнерусской живописи имеет теперь всемирную известность благодаря сосредоточенным в нем лучшим образцам достигшего высокого уровня живописного мастерства Древней Руси. Особенно ценен своим художественным совершенством круг древнейших произведений, связываемых с культурой Киевского государства. Именно благодаря этому, ранее неизвестному буржуазной науке начальному разделу истории русского искусства галерея дает возможность ознакомиться с произведениями русских художников на протяжении девятисот лет — с ХІ по ХХ век.
Древнейшими произведениями в галерее являются выставленные в отделе древнерусского искусства поврежденные временем икона Георгия из Новгородского Юрьева монастыря и шиферная плита с барельефным изображением всадников, украшавшая когда-то стены Михайловского Златоверхого монастыря в колыбели русского государства- Киеве.
К ХІІ веку относятся грандиозные изображения, исполненные яичными красками на деревянных досках-иконы Великой Панагии из Ярославля и Благовещения из Юрьева монастыря в Новгороде. К иконе Великой Панагии близка по стилю и времени киевская мозаика, образующая своими блестящими кубиками полную величия фигуру героя-воина Дмитрия на золотом фоне, с копьем и мечом в руках.
Плодом исследовательской работы в самой галерее является размещение памятников ХІІІ века по областям, где они были написаны в эпоху феодальной раздробленности. Теперь можно уже различать древнейшие произведения живописи Дмитрова, Ростова Великого, Ярославля, Твери и возникающего в начале ХІ\/ века московского искусства.
Большое впечатление производят иконы Новгорода Великого и Пскова своими яркими, насыщенными красками и четким ритмом композиции.
Широко известны и любимы разнообразными посетителями отдела произведения Феофана Грека, иностранца, нашедшего в конце ХІV века вторую родину в Московском государстве, и Андрея Рублева, его ученика, затмившего славу своего учителя.
Именно в галерее сосредоточено наибольшее количество произведений этого прославленного русского художника, современника Куликовской битвы.
Более четко вырисовывается теперь творчество другого гениального русского живописца второй половины ХV века Дионисия. В галерее представлены многие произведения этого мастера, еще недавно известного, пожалуй, только своими замечательными по декоративному совершенству росписями в далеком Ферапонтовом монастыре. Галерея уже несколько лет руководит копированием композиций ферапонтовских фресок.
Необычайно интересной и богатой предстает живопись Московского государства ХVI века, уже носящая в своих иконах зародыши будущего расцвета реалистического мастерства русских художников. «Воинствующая церковь››-своеобразное прославление воинской победы-завоевания Казани в середине ХVI века-является одним из первых русских произведений на историческую тему.
Живопись ХVІІ века останавливает внимание ювелирной тонкостью миниатюрного письма и наряду с ним грандиозными фантастическими декоративными образами, проникнутыми прелестью русской сказки. Зарождение реалистического изображения человеческого лица в «парсунах» (см., например, изображение М. В. Скопина-Шуйского) позволяет проследить национальные истоки творчества русских портретистов, в чем можно убедиться, внимательно рассматривая произведения И. Никитина и А. П. Антропова, работавших ужевХ\/ІІІ веке. Посвященный этому времени отдел галереи славится не только блестящим подбором полотен Ф. С. Рокотова и Д. Г. Левицкого, но и произведениями менее известных И. П. и Н. И. Аргуновых, П. С. Дрожжина и С. С. Щукина.
В сосредоточенном в галерее творчестве крупного представителя русского портретного искусства конца Х\/ІІІ-начала ХІХ века Боровиковского можно воочию различить отдельные периоды, отвечавшие развитию представлений о цели и роли Б. М. Кустодиев. Ярмарка. 1906 портрета в России того времени. По картинам, выставленным в этом отделе, можно также ознакомиться с бытовым и пейзажным жанрами в произведениях Фирсова, Шибанова, Семена Щедрина, Алексеева.
Живописцы Академии художеств Х\/ІІІ-начала ХІХ века в немногих, но превосходных образцах также нашли свое место на стенах галереи. Таковы произведения Лосенко, Акимова, Егорова, Шебуева.
Новым, более близким к жизни содержанием, в отличие от традиционных тем Академии, проникнуто творчество известного портретиста О. А. Кипренского, запечатлевшего романтические образы русских людей эпохи Пушкина. Ему современны картины Сильвестра Щедрина, живо и проникновенно изображавшего пейзажи Италии, где учились многие поколения русских художников.
Другое течение в русской живописи того времени представляет творчество А. Г. Венецианова, вдохновлявшегося уже повседневной русской действительностью. Небольшие картины учеников Венецианова-Хруцкого, Славянского и Плахова-свидетельствуют о нарастающем изобразительном мастерстве «русской школы».
Портреты художника этой же эпохи Тропинина более прозаичны, чем взволнованные образы людей у Кипренского; внимание художника останавливают обычные, будничные облики, передаваемые им с большой душевной теплотой.
Своеобразным сочетанием традиций Академии с романтическим направлением являются блещущие ярким талантом живописца картины Брюллова «Вирсавия» и «Всадница». Портреты, написанные Брюлловым (например, изображение писателя Кукольника), отличаются тонкой психологической характеристикой, не нарушающей их нарядную «картинность››.
Живопись А. А. Иванова, показанная в галерее его известнейшими картинами в сопровождении бесчисленных этюдов, служит настоящей школой для художников-реалистов, являясь образцом тщательного изучения натуры, претворенного во вдохновенные, всеобъемлющие поэтические образы.
Хорошо представлено творчество зачинателя критического реализма Федотова. Сцены из быта купечества, чиновничества и военной среды трогательно, с тонким юмором переданы в блестяще написанных маленьких картинах, захватывающих своим живым, правдивым повествованием.
Как явствует из истории галереи, с исчерпывающей полнотой собрано в ней творчество художников-реалистов второй половины ХІХ века. Перов, Крамской, Репин и Суриков предстают здесь в_ основных, главнейших своих произведениях. Бытовой П. П. Кончаловский. Сухие краски. 1913 жанр в картинах передвижников, теснейшим образом связанных с созданием галереи, является бесценной летописью русской жизни, позволяющей посетителям этих залов быть свидетелями тех особенностей прошлого, против которых восставали художники-демократы, «печальники народного дела».
Собранные в галерее портреты этого периода отразили в глубоко художественных образах лучших людей-создателей русской культуры-и с большой зоркостью, точно, остро и правдиво сохранили облик «хозяев жизни» того времени.
Батальная живопись является драгоценным источником русской военной истории, наглядно показывая развитие представлений о важности изображаемых событий и об их действующих лицах. Изящные бивуаки и маневры с вылощенными офицерами уступают место во второй половине ХІХ века трагическим эпопеям Верещагина, посвященным изображению военных действий в Средней Азии и русской-турецкой войне.
Исторические картины, воспроизводящие царский обиход у Шварца, показывающие драматическое столкновение личных и государственных интересов у Ге, сменяются изображением народной трагедии у Сурикова и былинной эпичностью у Виктора Васнецова.
В конце ХІХ века образы русских рабочих сохранили произведения Ярошенко и Касаткина, а жизнь русской деревни этого времени показал в своей картине «На миру» С. Коровин.
Необычайно тонко и всесторонне раскрыл В. А. Серов внутренний мир русских людей конца ХІХ-начала ХХ века в своих замечательных, совершенных по мастерству портретах художников, писателей, артистов, представителей аристократии и банковско-промышленных кругов. Тончайшие по живописи пейзажи Серова и проникновенные исторические композиции дополняют характеристику его многообразного творчества.
Создавая в 1910 году эскиз к декоративному панно «Похищение Европы», Серов по-своему использовал великое наследие древнерусской живописи. Темой его произведения, предназначенного для украшения стены зала, послужил античный миф о прекрасной финикийской царевне Европе, которую похитил влюбленный в нее Зевс, принявший вид быка и переплывший со своей грациозной поклажей море. Стремясь к скупой выразительности контура и цвета, Серов копирует икону ХVI века «Богоматерь Яхромская», среди других, принадлежавших Третьякову, икон выставленную в залах галереи ее попечителем Остроуховым. Это помогла установить внучка Серова, Ольга Александровна Хортик-Серова, принеся в 1965 году в дар Третьяковской галерее интересный опыт ее деда в иконописи, удостоверяющий ученичество великого живописца у древнего русского художества.
Претворение прозаического пейзажа норвежской гавани в праздник света создает на своем полотне «Гаммерфест. Северное сияние» (1894-1895) К. А. Коровин. Стремление противопоставить житейским будням волшебство творчества характерно для русских живописцев, вначале объединявшихся вокруг художественного журнала 1899-1904 годов «Мир искусства». Очарование зеленоватых сумерек во французском регулярном парке с его увитым виноградной лозой трельяжем и недвижным
строем шпалер создает в своей картине «Вечер» (1900-1902) К. А. Сомов. Изящные, как фарфоровые фигурки, юные дамы и их игрушечный кавалер кажутся менее живыми, чем изваянны”
«бог веселый винограда» слева и угадывающееся движение полускрытой виноградными гроздьями статуи справа. Нависшие тучи и порывы ветра в потемневшем версальском дворцовом парке заставляют спешить пестро одетых придворных.
Неподвластная людям стихия возмущает зеркало водоема, озаряет мертвенным сиянием окна дворца, превращает в суровых великанов мирные садовые статуи. Такой изобразил в «Фантазии на версальскую тему» (1906) пленившую его резиденцию французского короля А. Н. Бенуа, выдающийся живописец «Мира искусства», с упорством ученого и страстью художника изучавший всемирно известные королевские парки Франции. Их бессмертная красота запечатлена навеки в русских картинах.
Высокая поэтическая прозорливость животворит приветливый гомон старинного русского торгового села на картине Б. М. Кустодиева «Ярмарка» (1906). Произведение исполнялось для Экспедиции заготовления государственных бумаг, руководитель которой Франк собирался выпустить серию народных картин лубков. Из этой затеи ничего не вышло, На картине Кустодиева представлена окраина праздничного Троицкого торга большого заволжского села неподалеку от Кинешмы.
Леса обступали тогда Семеновское-Лапотное (ныне село Островское) со стоявшими на площади старинными церквами белым Николой и красным Афанасием. Возле них теснятся полотняные навесы-«балаганчики››, под которыми идет торговля.
А на окраине ярмарки лежит навалом товар попрочнее грабли,лубяные короба, липовые кадки и корыта, точеные расписные ложки, донца, глиняные и деревянные игрушки. Сося леденец, босоногий малый в новой ситцевой рубахе поглощен созерцанием золоченых ложек, степенные люди выбирают грабли и кадки, беседующие старики уносят запасенные на зиму валенки, бережно обернутые печатным платком, парень разводит мехи гармошки, молодицы и девки судачат, девочка с деревянной куклой в руках восхищенно разглядывает стоящую у ее ног пеструю рать игрушек. Новые праздничные одежды радостно цветисты. Они ярко выступают у светлой свежей древесины утвари, под полотном ярмарочных навесов, на песчаной земле, поросшей еще свежей травой. Замыкают композицию зеленые, синеющие вдали леса. Облачное с голубыми просветами небо будто одеялом укрывает село с его вековым_укладом.
В картине воплощена старинная поэзия русского народного праздника, которую до сих пор сохранили в своем творчестве советские кустари. Кустодиев изучал для нее не только крестьянское искусство (утварь, одежду, посуду, игрушки), но и самую жизнь с ее живой речью-обрядами, песнями, частушками, сказками.
В 1961 году ленинградская собирательница К. К. Басевич принесла в дар галерее среди других произведений своей коллекции большое полотно К. С. Петрова-Водкина «Купание красного коня» (1912). Декоративная картина была столь характерна для «Мира искусства», что на выставке этого объединения русских художников ее поместили над входной дверью «как знамя, вокруг которого можно сплотиться». В «Купании красного коня» Петров-Водкин превращает житейскую сцену в торжественный многозначительный образ. В картине отразились иконные опыты художника, а также его многочисленные зарубежные впечатления. В 1911-1912 годах Петров-Водкин писал и фрески для церкви в Овруче и иконы для родного города Хвалынска. Но не только они были «миром искусства», превратившим веселое купание лошадей во «вселенское действо». Этому способствовали мюнхенские, константинопольские, римские, миланские и парижские художнические восприятия живописца и даже соприкосновение с природой Африки во время путешествия в Алжир и Сахару. Они помогли формированию собственного изобразительного языка Петрова-Водкина с присущей ему запинающейся и будто оступающейся вещею речью, свойственной его декоративному искусству. Вместе с тем произведение Петрова-Водкина-целостная в своей композиции картина. Главный ее герой-гарцующий конь цвета малинового пламени. Он косится на седока-золотисто-желтого отрока, хрупкого в своей наготе и похожего на обреченного библейского Авеля. Ухватясь за поводья, отрок изнеможенно опирается о гладкий, будто из раскаленного металла круп. Светящаяся бирюзовая вода клубится у поднятого копыта, упруго уходя вправо, где другой всадник в стремительном движении рассекает стекленеющие струи. Вдоль песчаного берега с круглыми кустами пологой стеной вода поднимается вверх: здесь погруженную до плечей лошадь купальщик ведет вброд к центру водоема. Этим как бы замыкается круговое построение картины. В композиции, атакже в светящемся колорите «Купания красного коня» сказалось воздействие на художника входившей тогда в моду древнерусской живописи., В 1911 году в Петербурге появилась книга В. Георгиевского* «Фрески Ферапонтова монастыря». Еще в 1904 году идеолог «Мира искусства» С. Дягилев устроил в Париже на «Осеннем салоне» выставку икон из петербургского собрания Н. Лихачева. Ритмическое построение композиций Дионисия поражало даже на таблицах книги В. Георгиевского, а светозарность красок русской иконы с ее небывалыми киноварными, розовыми, сиреневыми и жемчужно-серыми конями приковывала внимание вовсе неискушенного в живописи посетителя.
Изощрившееся художническое видение влекло к изображению еще не родившегося или уже умершего. Это стремление долго вдохновляло П. В. Кузнецова. Он был одним из ярких представителей московской группировки «Голубая Роза», выступившей в 1907 году. Название, именующее мистический цветок, указывало на символическую направленность объединения, выражавшую таинственное значение простых явлений жизни. Киргизская пустынная земля с ее неторопливыми обитателями проходил поэтический образ картины «Мираж в степи» (1912), где голубой свод высокого неба вскипает светящимися лучами, зыблющими зеленую почву с ее синими тенями, пологими куполами юрт и причудливыми силуэтами верблюдов, сообщая космическую значительность бедному быту киргизского кочевья.
С. В. Герасимов. Мать партизана. 1943-1950 Естественной реакцией на картины «впечатлений» и «видений›› было обращение художников к воспроизведению в живописи материального, вещного мира, причем главной задачей считалась передача формы, объема-цветом, красками, без внимания к реальным пространственным соотношениям. Живописцы стали писать вещи и людей без живого света и воздуха, подменяя их значение густотой и насыщенностью красок, градациями колорита. По воззрениям художников, устраивавших выставки под уже упоминавшимся названием «Бубновый Валет» (1910-1917), живопись призвана сама создавать предметы, выражая их сущность цветом. Поэтому, например, у П. П. Кончаловского в его «Сухих красках» (1913), где искусные мазки передают тяжелую угловатость и тусклый блеск высокой жестянки с масляным лаком, поверх написанной красками этикетки прямо на законченную живопись холста наклеена отодранная от модели настоящая бумажка с печатным текстом товарищества Мамонтовых в Москве, производившего лак и олифу. А на такой же настоящей этикетке, прилепленной на низенький бидон с олифой, увенчанный косо всаженной воронкой, написано высокое узкое горлышко сосуда с краской. Кончаловский так же виртуозно передает вязкость глины пузатого кувшина со вставленными в него кистями, скользкую прозрачность стекла с яркой сыпучей массой внутри, изящный узор тонкой грушевой древесины палитры в сопоставлении с грубой плотничьей обтеской толстой доски стола. В натюрморте Кончаловского «Сухие краски» проявилось умение художника цветом передать характер неодушевленных предметов. Совершенство техники пригодилось Кончаловскому в создании реалистических образов периода расцвета творчества уже в советское время.
Однако более жизненной оказалась дожившая до 1917 года зримая поэзия образов «Мира искусства». На картине «Девочка и фарфор» (1916) А. Я. Головина, ставшего впоследствии выдающимся советским театральным художником, живая прелесть движения ребенка, настороженно наблюдающего за исполняющим портрет живописцем, особенно остро воспринимается среди преходящих в своей красоте вещей. Топорщатся складки накрахмаленной скатерти, цветисто пестреет вычурный фарфор, своей блестящей пластической поверхностью спорящий с нежной плотью никнущих роз, хрупкостью бегоний и сочной зеленью веток, раскинувшихся на фоне мягкой узорной ткани. Шелестят страницы брошенной на сиденье маленькой книги, обутые в блестящие туфли ножки девочки удобно стоят на полосатом половике, завершающем прекрасную «сущность мира, как она есть» на этой картине, так сильно отличающейся от живописных искании «Голубой Розы» и «Бубнового Валета», взыскующих «сущность, какою она должна быть».
Наряду с произведениями Бенуа, Сомова, Бакста, Добужинского, Петрова-Водкина, Головина и Рериха получают дальнейшее развитие и реалистические традиции в творчестве Архипова, Малявина, Рылова. Некоторые из живописцев этого времени стали известными советскими художниками.
Большую роль в ознакомлении с развитием русского искусства в современной Третьяковской галерее играют собранные с достаточной полнотой произведения русских скульпторов и колоссальные коллекции рисунка, умножившиеся после Великой Октябрьской революции. Эти необходимые для правильного понимания истории русского искусства области требуют особого обзора. Кроме того, в нынешнем тесном здании галереи богатства, заключающиеся в собраниях рисунка и скульптуры, не нашли еще соответствующего их количеству места: значительная доля этих коллекций все еще не выставлена и обозрима лишь в специальных хранилищах.
Растущий и пополняющийся вновь создаваемыми произведениями отдел советского искусства уже располагает постоянным собранием, дающим возможность составить представление о становлении социалистического реализма и о творчестве крупнейших советских художников. Особый интерес вызывает художественное наследие скульптора Н. Андреева. В своей «Лениниане», состоящей из зарисовок и скульптурных эскизов с натуры, он в течение двенадцати лет (1920-1932) работал над воссозданием браза В. И. Ленина.
Здесь также довольно полно собраны произведения АХРР-Ассоциации художников революционной России, куда вошли придерживавшиеся реалистических традиций живописцы из распавшегося в 1923 году Товарищества передвижных выставок, боровшиеся с еще существовавшими в то время формалистическими течениями.
В советском отделе галереи собраны наиболее характерные произведения Е. Чепцова, Б.Яковлева, М. Грекова, С. Малютина, Е. Кацмана, И. Бродского, Г. Ряжского и многих других. Их творчество связано с начальными этапами развития советской живописи.
Лучшими полотнами представлены и художники других направлений — Б. Кустодиев, К. Петров-Водкин, И. Машков, К. Истомин, А. Куприн, М. Нестеров, С. Герасимов, П. Кончаловский, М. Сарьян, Ю. Пименов, А. Дейнека, С. Чуйков. Сюда вошли также скульптуры выдающихся мастеров-И. Шадра, С. Лебедевой, В. Мухиной, С. Меркурова, М. Манизера. Ярко показано творчество крупнейших советских художников-П. Корина и Б. Иогансона.
В этот отдел включены также лучшие произведения выдвинувшихся во время Великой Отечественной войны живописцев: А. Пластова, В. Серова, А.Лактионова, Ф. Шурпина, Г.Нисского, Ф. Решетникова, А. Григорьева, Ю.Непринцева, Т.Яблонской и скульпторов Н. Томского, В. Вучетича, С. Орлова, А. Ковалева.
Так же разнообразны дарования живописцев, ставших известными за последнее десятилетие. К приподнятой выразительности стремятся в своих произведениях С. и А. Ткачевы. Задачи исполненной глубокого смысла монументальной декоративности влекут к себе А. и П. Смолиных. Лаконичный изобразительный язык с немногословной формой и скупым цветом пленяет Т. Салахова.
Эмоциональное напряжение статичного группового портрета открывает Ю.Кугачу возможности психологического раскрытия образа. Эпической обобщенности типов советских людей ищет В. Попков.
С каждым годом растет и пополняется отдел советского искусства, отражающий художественную жизнь Советской страны. В завершающих галерею залах особенно сложна работа по размещению художественных произведений, так как от расположения и последовательности картин, скульптур и рисунков зависит восприятие творчества часто впервые выступающих художников.
А. С. Галушкина, давно изучающая советское искусство, является опытным мастером его экспозиции.
В отделе советского искусства галереи перед нами проходят произведения, созданные в разные периоды после 1917 года мастерами, различными и по силе и по характеру таланта. Во всех этих произведениях, столь разнообразных по темам, жанрам и по индивидуальности художников, их создавших, есть Т. Т. Салахов. Портрет композитора нечто общее, объединяющее между собой эти разные произведения, нечто связывающее все эти полотна, рисунки и скульптуры советского периода с традициями Третьяковской галереи, с творчеством художников предыдущих поколений, чьи картины по праву заняли главенствующее место здесь, в сокровищнице проникнутого демократическими идеями русского искусства.
С реалистическим искусством ХІХ века произведения, созданные в наши дни, роднит стремление к содержательности и правдивости, стремление отразить в художественных образах возвышенную человечность передовых идей. Советские художники, так же как и русские мастера прошлого, средствами искусства стараются проникновенно раскрыть смысл общественных явлений, интересуются прежде всего жизнью народа, всем новым и растущим.
Наши художники ставят своей целью откликнуться на боевые запросы жизни, идейные задачи решить высокоэмоциональными средствами. Руководимые методом социалистического реализма, они утверждают искусство для народа.
Убежденные в высоком назначении искусства для общества, советские художники, так же как и художники идейно-реалистического направления прошлого века, ведут средствами искусства упорную борьбу за счастье народа. В этой борьбе их объединяет с художниками прежних поколений страстное, беспредельное желание блага Родине, блага всему передовому человечеству, Горячая любовь к Родине, национальная гордость, вера в великие силы русского человека, в русскую науку и искусство руководят советскими художниками в их трудах по созданию и тематических картин, и портретов, раскрывающих характерные черты советского человека, и пейзажей, воспевающих красоту русской природы. Обо всем этом посетителю говорят произведения русских и советских художников, говорят своеобразным и ярким языком искусства. За более чем столетнее свое существование Третьяковская галерея превратилась из московского
собрания картин в крупный центр социалистической культуры средоточие изучения русского искусства, трибуну передовых советских художников, стала поистине народным музеем.
Сокровища Третьяковской галереи ценимы и любимы не только гражданами обширного многонационального Советского Союза. И за рубежом нашей великой Родины, создавшей эти сокровища, с каждым годом возрастает интерес к ним, к собирающей и изучающей их Государственной Третьяковской галерее.
