Таганрогская картинная галерея. Таганрог сегодня — широкоизвестный в стране центр промышленности, науки и культуры. Богат этот старинный город и своей историей, замечательными культурными традициями. Созданный при Петре I как фортпост на Азовском море, Таганрог уже в XIX веке превратился в крупный торговый порт на юге России, а затем и в промышленный город. В это время здесь создается ряд культурных учреждений — старейший на юге драматический театр, городская библиотека, музыкальная школа, уникальный парк; возводятся интересные архитектурные сооружения.
Гордятся таганрожцы замечательными деятелями отечественной культуры, имена которых связаны с историей города. Это великий земляк А. П. Чехов, уроженцы Таганрога — известный художник-передвижник К. А. Савицкий, замечательные актеры A. Л. Вишневский и Ф. Г. Раневская; жившие и творившие здесь прекрасный живописец А. И. Куинджи и один из выдающихся русских советских писателей К. Г. Паустовский. Неоднократно бывали в городе А. С. Пушкин, И. К. Айвазовский, П. И. Чайковский, М. П. Мусоргский, П. А. Стрепетова, В. В. Маяковский, А. В. Луначарский.
Стараниями А. П. Чехова и энтузиастов города здесь в 1898 году был открыт городской музей — предшественник картинной галереи. Городской музей, созданный по инициативе писателя как один из культурных очагов в крупном портовом и промышленном городе юга России, за годы своего существования пережил периоды бурного расцвета, особенно после Великой Октябрьской социалистической революции, когда заметно пополнилась его коллекция и к искусству активно приобщились трудящиеся массы и молодежь. Тяжелые и невосполнимые утраты понес музей во время Великой Отечественной войны.
Настоящий альбом знакомит любителей искусства с коллекцией Таганрогской картинной галереи, достигшей достаточно высокого уровня благодаря активной поддержке городских партийных и советских органов, горячей заинтересованности небольшого музейного коллектива и любителей искусства.
Сегодня галерея обладает значительными произведениями русского дореволюционного и советского искусства. Прекрасные работы Сильв. Ф. Щедрина, Г. Г. и Н. Г. Чернецовых, И. К. Айвазовского, И. Е. Репина, И. И. Шишкина, И. И. Левитана, В. А. Серова, С. В. Герасимова, Н. М. Ромадина, Ю. И. Пименова, В. Ф. Стожарова, А. П. Ткачева могут стать украшением любого музея.
Желаю картинной галерее Таганрога успехов в ее многогранной деятельности. Пусть год от года пополняются ее фонды и экспозиция лучшими художественными творениями. Пусть все активнее приобщаются к богатствам духовной культуры все новые слои трудящихся, и в первую очередь молодежь. Пусть изобразительное искусство становится все более мощным средством формирования гармонически развитой личности — строителя коммунизма.
Зеленый солнечный город, расположенный на далеко выступающем в Азовское море мысу Таган-Рог (что означает в переводе с татарского «высокий приметный мыс»), всегда вызывал интерес к своему историческому прошлому, к памятникам культуры и старины.
Идея создания в Таганроге городского музея принадлежала А. П. Чехову. С Таганрогом на протяжении многих лет была связана литературная и общественная деятельность писателя. Мысль о необходимости создания музея Чехов впервые высказал в 1896 году. Позже в переписке с членом городской управы и одним из организаторов музея П. Ф. Иордановым он подробно обсуждал программу будущего музея, обещая свою помощь и поддержку.
После войны художественное собрание музея во многом пришлось создавать заново. Приобретения из частных коллекций и антиквариата существенно пополнили раздел русского искусства. Дальнейшее развитие художественного отдела было связано с созданием экспозиции советского искусства. Начало этому было положено в 1953 году, когда по инициативе С. М. Чехова, племянника А. П. Чехова, несколько московских художников подарили музею пятьдесят своих работ.
С середины XVII столетия на Руси распространяется светская живопись. Наряду с традиционным средневековым искусством появляются первые портреты с натуры («с живства») —парсуны. Большой интерес представляет находящийся в музейном собрании «Портрет Н. К. Нарышкиной, матери Петра I», который можно датировать приблизительно концом XVII века. Портрет подписной. Старая надпись на обороте холста свидетельствует, что его «писал Петр Никитин». В этой работе можно отметить ряд условных черт, характерных для парсуны как ранней формы портрета: застылость позы, распластанность фигуры на плоскости холста, условное изображение рук. Однако в живописи лица художник достиг выразительности и портретного сходства, ему удалось передать характерные особенности изображенной: довольно крупные черты, живые, выразительные глаза, таящуюся в уголках рта усмешку.
Парсунная живопись влияла на искусство многих русских мастеров. В творчестве художников 50—60-х годов XVIII века уживались традиционные приемы парсунного письма с поисками новых выразительных средств, о чем свидетельствует, например, «Портрет Елизаветы Петровны». Это вольное повторение портрета, выполненного французским художником Л. Каравакком, учителем И. Я. Вишнякова и других русских живописцев середины XVIII века, неоднократно копировавших его произведения.
Неизвестный художник менее профессионально, чем Каравакк, передает фактуру материала, допускает погрешности в рисунке, мало уделяет внимания деталям. II вместе с тем звучное сочетание синего и желтого цветов парадного платья, наивная простота характеристики модели придают этому портрету своеобразие и выразительность.
В 1770-х годах А. П. Антроповым были исполнены портреты ряда духовных лиц и многочисленные копии царских изображений. К этой серии одинаковых по размеру полотен, хранящихся в основном в музеях Московского Кремля, принадлежит «Портрет Петра I». Антропов повторил тип петровского портрета, написанного с натуры в 1723 году Каравакком. В отличие от пышных, идеализированных картин иностранного мастера Антропов, сохранив композицию погрудного портрета кисти Каравакка, усилил реалистические черты, изображая немолодого уже Петра. Особенно ясно реалистические искания талантливого русского живописца проявляются при сопоставлении этого произведения с другим портретом Петра I в рост, созданным Антроповым двумя годами ранее для синодальной членской палаты (Государственный Русский музей).
В «Портрете неизвестного в красном кафтане» художник второй половины XVIII века стремится не только передать неповторимую индивидуальную внешность, но и запечатлеть образ человека, наделенного чувством собственного достоинства, сильным характером, любящего жизнь,— то есть теми чертами, которые были присущи личности в век просветительских идеалов и гуманизма. Изменяется и живописная манера: объемно-пластически написана фигура, с большим мастерством разработан красный цвет кафтана, тонко воспроизведены кружева манжеты и галстука.
К работам К. Л. Христинека — «удачливого портретиста», по замечанию Я. Штелииа, с большой долей вероятности можно отнести портрет А. А. Рибопьер-Бибиковой. Дочь генерал-аншефа А. И. Бибикова — жена бригадира И. С. Рибопьера, убитого при штурме Измаила, Аграфена Александровна находилась под особым покровительством двора. В 1774 году она была взята в фрейлины, и, возможно, именно это событие послужило поводом к написанию портрета. На нем изображена молодая женщина девятнадцати-двадцати лет, одетая и причесанная по моде конца 1760 — начала 1770-х годов: платье с низким вырезом, отделанное кружевом и бантами; на шее лента; невысокий парик уложен буклями, характерными для портретов кисти Христинека.
Художнику удалось создать привлекательный женский образ. Изысканный колорит, построенный на сочетании нежных голубых полутонов с белым цветом, придает портрету особое обаяние. Несколько суховатый рисунок абриса лица и глаз характерен для живописной манеры Христинека.
Подлинный расцвет русского портрета XVIII века связан с именами Ф. С. Рокотова, Д. Г. Левицкого, В. П. Боровиковского. Произведения из собрания музея, принадлежащие кисти этих прославленных живописцев и художников их круга, дают представление о высоком уровне развития русского искусства той поры.
Один из первых воспитанников Академии трех знатнейших художеств, Ф. С. Рокотов составил себе славу как непревзойденный мастер камерного портрета. Созданные им изображения современников отличаются исключительной одухотворенностью, а манера — свободой исполнения. В ряду рокотовских женских образов «Портрет А. А. Долгоруковой» из таганрогского музея занимает одно из видных мест. Произведение относится к позднему периоду творчества художника и написано, по-видимому, не ранее первой половины 1790-х годов.
В нем нет того ощущения трепетной недоговоренности, которое было свойственно ранним работам Рокотова, в нем не имеется и блеска живописи портретов 1780-х годов — времени расцвета таланта мастера. Портрет Долгоруковой отличается гармонической сдержанностью и благородной простотой. В этой работе, как и во многих других поздних произведениях, под влиянием эстетики нарождающегося классицизма Рокотов приходит к новому пониманию образа человека.
«Мужской портрет (из рода Извольских?)», слегка овеянный томной чувствительностью, сдержанный по цветовому решению, создан неизвестным художником конца XVIII — начала XIX века, несомненно, под влиянием живописи В. Л. Боровиковского.
«Портрет двух крестьянских девушек» — одно из редких явлений искусства XVIII века, одна из первых попыток обращения к крестьянской теме. Характеры крестьянок едва намечены, автора более всего привлекают этнографические детали костюма и занимательность жанрового сюжета: протягивая тарелку с земляникой, девушки словно ведут разговор с невидимым собеседником.
В искусстве XVIII столетия большое распространение получили различные виды декоративной живописи, плафоны и панно. Образцы работ подобного рода имеются и в коллекции таганрогского музея, причем довольно редкие. Один из них — эскиз плафонной росписи на аллегорическую тему: «Парнас. Аполлон и музы»,— выполненный Д. К. Скотти, выходцем из семьи прославленных художников-декораторов. В XVIII веке роль декоративных панно довольно часто отводилась картинам, украшавшим стены помещений по принципу шпалерной развески.
Известно, например, что в 1747 —1765 годах придворным живописцем-анималистом И. Ф. Гроотом была создана галерея из сорока трех картин, «до охоты касающихся», для Центрального зала охотничьего павильона Монбия у (Мопбеж) в Царском Селе. В таганрогском музее хранится картина его ученика Н. Л. Каменева «Лисица с уткой», выполненная в традициях Гроота. Это одна из двух известных работ Каменева. Она также, вероятно, имела декоративное назначение. Вспугнутая утка и готовящаяся напасть па нее лисица написаны на фоне условного лесного пейзажа, напоминающего театральные декорации. Суховатость рисунка и сдержанность цветовой гаммы искупают прекрасное знание и умение художника передать повадки животных. Конкретно и осязаемо представлена натура: мягкое белое оперение утки, пушистый лисий мех. Картина Каменева — редкий образец «живописи зверей и птиц», почти забытой впоследствии.
век приносит много нового в русское искусство. Начало столетия отмечено становлением и развитием молодой пейзажной живописи. В собрании музея имеются первоклассные произведения Сильв. Ф. Щедрина, М. И. Лебедева, П. Г. и Г. Г. Чернецовых.
Прежде всего обращают на себя внимание два произведения Сильв. Ф. Щедрина, сумевшего одним из первых среди русских художников соединить профессиональную культуру академической школы с поэтической свободой живописной манеры. В собрании музея имеется законченный авторский вариант известной картины Щедрина «Новый Рим. Замок св. Ангела». Она была воспринята современниками как новое слово в русской пейзажной живописи.
Выбрав место неподалеку от дома, в котором он жил, художник написал открывающийся прекрасный вид на мост через Тибр и замок святого Ангела, далее — па собор святого Петра и Ватиканский дворец. На первом плане изображены жилые городские кварталы, сцены будничной жизни на берегу реки. Щедрин писал этот пейзаж неоднократно, каждый раз выбирая разное время дня и разное освещение. В таганрогском варианте это утро, когда только что поднявшееся солнце серебрит воду, окрашивает в мягкие розовые краски облака, а потемневшие от времени здания окутаны светом и воздухом.
В 1826 году Щедрин поселился в Неаполе, выезжая в летние месяцы в его живописные окрестности. Особенно он любил писать Сорренто. «Грот в Сорренто с видом на Везувий» — один из маленьких шедевров художника. Композиция картины построена на контрастном сочетании затененного первого плана, где изображены расположившиеся в тени грота на отдых рыбаки, и залитого солнечным светом заднего, с раскинувшимся на горизонте Неаполитанским заливом. Выдержанный в теплых тонах колорит произведения насыщен всеми оттенками, которые смогла извлечь кисть художника из цветового однообразия прибрежного камня.
Романтически приподнятым восприятием реальной красоты природы овеяны пейзажи М. И. Лебедева. Картина «Лес на берегу реки» написана незадолго до окончания Академии художеств, по всей вероятности, летом 1833 года, когда Лебедев работал над конкурсной программой «Вид в окрестностях Ладожского озера», удостоенной большой золотой медали. Почти идентичен изображенный на обоих полотнах пейзажный мотив: поросшая лесом скала, возвышающаяся над рекой, по берегам которой разрослись травы и цветы с крупными листьями, часто встречающиеся в ранних романтических пейзажах Лебедева.
Тщательной проработанностью деталей, завершенностью композиции, мастерской живописью отличаются пейзажи братьев Н. Г. и Г. Г. Чернецовых из собрания галереи. В своих ранних работах художники еще сохраняют связь с романтическим искусством, особенно в пейзажах, выполненных во время поездок в Италию. В 1842 году ими было написано несколько видов древнего Рима. «Первым предметом наших занятий был Колизей»,— писали братья в Россию. Картина Н. Г. Чернецова «Колизей в лунную ночь» написана в 1842 году. Заметно, что художник много работал с натуры, добросовестно запечатлев исторический памятник со всеми его подробностями. Лунный свет заливает древние руины. Их осматривают путешественники, по всей вероятности, знакомые художника. Все это придает пейзажу таинственность и романтическую загадочность.
В первой трети XIX века больших успехов достигла портретная живопись. В работах кисти О. А. Кипренского, А. О. Орловского, А. Г. Варнека нашли воплощение высокие нравственные представления современников о человеке. Эту же черту духовного портрета личности можно увидеть в произведениях неизвестных мастеров из собрания музея: в «Портрете молодого человека», «Женском портрете», «Портрете дамы в чепце». В это время в России много и плодотворно работал английский живописец Д. Доу, приглашенный для создания портретной галереи героев Отечественной войны 1812 года. В лучших заказных портретах, например в «Портрете графа А. И. Рпбоиьера», ему удалось достичь подлинно реалистического показа модели. Молодого Рибоньера писали К. П. Брюллов,
В. И. Гау, Ф. Крюгер. В отличие от других художников Доу, стремясь создать демократический образ человека свободомыслящего, широких взглядов, много путешествовавшего и общавшегося с деятелями культуры, представляет видного государственного чиновника в штатском скромном платье, а не в привычном парадном вицмундире. При этом произведение все же остается в рамках официально-парадного портрета.
В собрании графических портретов середины XIX века выделяются две акварели П. Ф. Соколова. Форма акварельного или карандашного портрета, который помещался в семейный альбом, служил украшением кабинета, преподносился на память друзьям, была широко распространена в первой половине XIX века. Соколов создал целую портретную галерею известнейших людей своего времени. К сожалению, пока не удалось определить, кто позировал художнику для акварелей из собрания таганрогского музея. Бесспорно одно: они написаны в то время, когда Соколов жил в Москве.
Несколько раз посещая Москву в течение 1830-х годов, он окончательно поселился здесь в конце 1840-х. Оба портрета созданы в 1847 году, незадолго до смерти художника. «Мужской портрет» композиционно близок «Портрету молодого Аксакова» (Государственный Русский музей). На таганрогском листе изображен мужчина средних лет с тонкими чертами лица, внимательным взглядом. Как и молодой Аксаков, он непринужденно сидит в кресле; в его руках трость, цилиндр с перчатками; он так же франтовато одет (полосатый жилет, жемчужная булавка в галстуке, цепочка от брегета).
В этом портрете, как и во многих других, Соколов создает образ типичного представителя московской дворянской интеллигенции 30—40-х годов прошлого века. «Женский портрет» принадлежит к той группе изображений, в которых художник окружает модель подробно разработанными аксессуарами. Стройная молодая женщина с большими выразительными глазами представлена стоящей, опершись на полку камина. За ее спиной, в кресле, брошенная папка с рисунками, что говорит о ее причастности к искусству. Букет цветов в вазе дополняет лиловато-розовую колористическую гамму портрета — подобный букет можно встретить и в других акварелях Соколова, например в «Портрете И. И. Клодт, жены скульптора» (1845, Государственная Третьяковская галерея).
Портреты из Таганрога написаны чистой прозрачной акварелью, не смешанной с белилами. Художник сразу кладет основные цвета, сероватыми тонами детализируя изображение. Выполненные с блестящим мастерством акварели Соколова являются произведениями большого искусства и стоят в одном ряду с лучшими работами в этой технике его учеников К. П. и А. П. Брюлловых.
Один из лучших портретистов первой половины XIX века, мастер композиционного портрета, В. А. Тропинип представлен в музее ранним вариантом картины «Пряха». Еще в 1800—1810-е годы, живя в имении графа И. И. Моркова Купавка Полтавской губернии, крепостной художник приобрел известность как портретист. Наряду с заказными и семейными портретами Троппнии часто писал с натуры украинских крестьян, жанровые сцены. Впоследствии украинские впечатления послужили ему материалом для создания картин, подобных «Пряхе». Это произведение было неоднократно повторено Тропининым. Таганрогское полотно, и по композиции, и но колориту близко напоминая другие варианты, отличается теплотой и искренностью в изображении крестьянки, тонкими живописными нюансами. В последующих вариантах ее образ изменялся в сторону большей манерности и идеализации.
В произведениях Е. Ф. Брендовского, Л. К. Плахова и других венециановцев представлены простые характерные сценки городской и сельской жизни, типы ремесленников, торговцев, пришедших на заработки в столицу крестьян.
«Дети. Дочери художника» Е. Ф. Крепдовского — маленький интимный портрет, почти миниатюра, написанный с большой любовью и тщанием. Незамысловатая будничная сценка — две девочки, одетые в простые платьица, играют у плетня с кроликами — показана художником и поэтично, п искренне.
Другим излюбленным жанром живописи венециановцев в 1830— 1840-е годы были изображения интерьеров. К ним примыкает полотно Л. К. Плахова «Дворницкая Академии художеств», созданное в 1830-е годы, когда художником было иаписано несколько работ па темы из жизни дворовых людей Академии. Как мастер иитерьерной живописи Плахой строит несложную перспективу сводчатого помещения одного из академических подвалов, где после трудового дня находят себе пристанище дворники и водовозы. У стен громоздятся бочки, в углу стоят метлы, нехитрая бедняцкая утварь.
Органично соединяя в одно целое свет и почти монохромное цветовое решение, художник прекрасно передает естественную пространственную среду, наделяя простую жанровую сцену поэтичностью. Позднее, в 1860-е годы, в пору нарастания социальных устремлений русских художников, тема интерьера теряет для них привлекательность. Тщательно написанная картина А. А. Боброва «Проказы кошки» уже лишена того лиризма, который характерен для живописи предыдущих десятилетий.
В творчестве венециаиовцев встречается и жанр натюрморта. «Натюрморт с лукошком» неизвестного художника состоит из простых вещей крестьянского обихода. Каждая из них показана во всем своеобразии ее формы, фактуры, цвета: золотится кожица луковицы, пламенеет морковь; в центре яркой сочной зеленью выделяется смородиновый лист; в приглушенных тонах, как старое золото, светится лыко кузовка.
Художник сумел увидеть и передать неповторимую пластику предметов.
Искусство мастеров академического направления представлено в музее разными именами, но далеко не все их произведения равнозначны по художественным достоинствам. Высоким профессионализмом отличается работа ученика К. П. Брюллова А. Н. Мокрицкого «Девушка на карнавале», написанная во время пенсионерской поездки в Италию в 1840— 1845 годах. Художнику позировала молодая итальянка Мария Джолли, одетая в живописный костюм чочары. Эта жанровая картина, наделенная всеми характерными чертами парадного обстановочного портрета, выдержана в традициях академической школы.
Творчество крупнейшего мариниста И. К. Айвазовского представлено в музее рядом интересных работ. В пейзажах «Закат на море» и «Лунная ночь. Купальня в Феодосии» получило развитие увлечение художника романтическими эффектами.
Близок к романтическим тенденциям в своих ранних произведениях Н. II. Ге. Пейзажной живописью Ге занимался во время пребывания в Италии. Среди его очень разнохарактерных итальянских пейзажей «Каррара» выделяется пластической четкостью многопланового пространства.
В этом произведении Ге стремился передать реальное богатство красок итальянской природы. Возможно, постоянные упражнения художника в живописи па открытом воздухе, результатом которых явились несколько схожих по мотиву этюдов и картин, свидетельствуют об уроках пейзажной живописи А. А. Иванова, с творческими поисками которого Ге был безусловно знаком.
После возвращения из Италии Ге много работал в жанре портрета. Простота п серьезность образа молодой женщины в «Женском портрете» напоминают характерные черты героинь И. И. Крамского, Н. А. Ярошенко и других художников-демократов того времени.
Искусство бытового, крестьянского жапра передвижников представлено в галерее такими именами, как В. Е. Маковский, К. В. Лемох, К. А. Савицкий, К. Е. Маковский, Г. Г. Мясоедов, В. М. Максимов.
«Крестьянским художником» называли современники К. В. Лемоха. В картине «Пьяный муж» за рассказом о семейной драме встает жизнь русского крестьянства, наполненная тяжелым физическим трудом, унылая и беспросветная, которая гонит мужчину в кабак, а женщину заставляет стариться в молодости. Художник проявил большое знание крестьянского обихода в изображении немудреного, даже убогого деревенского хозяйства. Этому помогли постоянные натурные наблюдения. Подолгу живя в подмосковном селе Ховрине, Лемох искал характерные типы и сценки из жизни крестьян.
Небольшое полотно В. М. Максимова «Материнство» характеризует этого замечательного художника крестьянской темы и как мастера камерной бытовой картины. Для произведения позировала жена художника Л. А. Измайлова с сыном Вячеславом. Эта картина составляет парную к полотну «Мечты о будущем» (1868, Государственный Русский музей), за которую Максимов был удостоен звания художника I степени. В обеих работах показан один и тот же интерьер маленькой скромной квартиры на Васильевском острове, где Максимовы жили первое время.
Прекрасно, в традициях Федотова написана вся комната и ее обстановка: старинный комод красного дерева, туалетное зеркало па нем, столик с книгой, цветы. Молодая женщина, одетая в широкую золотистую юбку и белую кофту, сидит в кресле у окна с ребенком на коленях, которого она только что кончила кормить. Обе картины (из Таганрогской галереи и Государственного Русского музея), прекрасно дополняя друг друга, составляют единый лирический рассказ.
Пейзаж в творчестве передвижников представлен многочисленными произведениями А. К. Саврасова, Ф. А. Васильева, А. И. Куинджи, А. С. Аммосова, И. И. Шишкина, Е. Е. Волкова, И. И. Левитана и других художников.
«Закат» А. К. Саврасова, написанный в 1870-е годы, когда художником были созданы этапные в развитии русского пейзажа произведения,— одно из наиболее выразительных полотен в собрании музея. Момент угасания дневного света разработан в сложной цветовой гамме, богатой множеством оттенков.
«Лес перед грозой» и «Пейзаж с фигурой» И. И. Шишкина написаны со свойственным художнику вниманием к жизни родной природы, любимого им леса. В изображение вложено много конкретных наблюдений и знаний, собранных во время работы над первыми значительными картинами— «Сосновый бор» и «Лесная глушь», когда Шишкин жил и работал на даче И. Н. Крамского. В этих ранних пейзажах еще существенную роль играют повествовательные мотивы: в одном изображена идущая с корзиной женщина, в другом — птица, присевшая отдохнуть на ветку дерева.
Традициям Шишкина в передаче мира природы следовал Е. Е. Волков. В «Пейзаже с прудом» прекрасно объединены первый и дальние планы, хорошо выдержаны близкие по тону краски зелени прибрежных кустов и воды, цвет облаков, отражающихся в спокойной глади пруда.
Несколько произведений украинских художников — В. Д. Орловского, С. И. Васильковского, И. К. Пимоненко — свидетельствуют о тесной связи их искусства с лучшими традициями художников-реалистов второй половины XIX века, прежде всего передвижников. Васильковский почти всю жизнь провел на Украине, в Харькове. Там им было написано около трех тысяч произведений, в основном пейзажи. Небольшие картины Васильковского наполнены светом и воздухом, его пейзажи кажутся обжитыми людьми. Лучшие из них, в том числе «Охота с легавою на перепелов», созданы в 1890—1910-е годы.
Самыми значительными произведениями пейзажной живописи второй половины XIX века в собрании музея являются работы И. И. Левитана «Вечерние тени» и «Ранняя весна». Обе созданы в сложный и ответственный для художника период творческих поисков новых образных решений, наполненных глубоким философским содержанием. «Вечерние тени» были начаты Левитаном в 1891 году и доработаны спустя три года. Произошло это не случайно. Задумав написать пейзаж в косом вечернем освещении, он долго искал необходимый эмоциональный акцент.
«Вечерние тени» были показаны только на XXII передвижной выставке в 1894 году одновременно с картиной «Над вечным покоем», ставшей программной в творчестве Левитана. За это время художник ушел далеко вперед как живописец. Его этюды и пастели, выполненные летом п осенью 1894 года, написаны смело и свободно. Как отмечал исследователь творчества Левитана А. А. Федоров-Давыдов, именно потому, что он достиг нового, более живого и свободного, более эмоционального выражения освещения, Левитан и дорабатывает теперь «Вечерние тени». Здесь, как и во многих работах 1890-х годов, ощущается стремление художника выявить национальное в облике русской природы. Одновременно с поисками монументальности образа приходит смелое живописное обобщение. Картина решается большими массами, широкими мазками кисти художник лепит зелень деревьев, распаханная земля написана фиолетово-красным пятном. Все объединяет вечерний золотисто-розовый свет.
Еще смелее и непосредственнее Левитан передает картину пробуждающейся природы. «Ранняя весна» написана по натурному этюду, выполненному, судя по мотиву, вскоре после известного «Марта» (1895, Государственная Третьяковская галерея), который Левитан писал в Горках, имении Турчаниновых. Законченная картина из таганрогского музея сохранила всю свежесть этюда. Это произведение наряду с другими лучшими полотнами Левитана, созданными в конце 1890-х годов, знаменовало наступление новой стадии в его творчестве и нового этапа в развитии русского пейзажа на рубеже XIX—XX веков.
Близким другом Левитана был художник Н. П. Чехов, брат писателя. В одной из первых картин Левитана — «Сокольники» — Чеховым была написана женская фигура. Современники считали его талантливым живописцем. А. П. Чехов в одном из писем отзывался о брате как «о талантливом и уже популярном художнике, который подавал солидные надежды». Н. П. Чехов создал немного работ. Тем интереснее небольшой живописный портретный этюд «Крестьянский мальчик (Ванька Жуков)», написанный, очевидно, летом в Воскресенске в усадьбе Киселевых, куда наезжали Антон и Николай, тогда еще ученик Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Известно, что Н. П. Чехов иллюстрировал многие чеховские рассказы, а его рисунки, в свою очередь, наводили писателя на мысль о создании новых произведений.
Среди портретных работ второй половины XIX века обращает внимание «Портрет мальчика», созданный молодым И. Е. Репиным. Еще будучи учеником Академии художеств, Репин выделялся как живописец, регулярно получая первые номера за этюды, исполненные с натуры. В «Портрете мальчика» просто и правдиво передано душевное состояние ребенка, серьезно позирующего художнику. Умело используя академические приемы, Репин нежно, теплым светлым тоном моделирует Лицо. Хорошо найдены в портрете отношения серой курточки, каштановых волос к фону.
В музее хранится прекрасная акварель В. И. Сурикова с изображением помпейского фонтана, написанная художником во время итальянской поездки 1883—1884 годов. Суриков тогда был увлечен пленэром, проблемой передачи единства формы и цвета в световоздушной среде. Акварель выполнена с большим мастерством. Глубокая тень внутри портала, обрамляющего источник, контрастно подчеркивает яркую освещенность архитектурных объемов, их пластическую выразительность. Прозрачные легкие голубоватые рефлексы оживляют стены. Сложные колористические задачи, связанные с работой на пленэре, которые ставили перед собой
B. И. Суриков, В. В. Верещагин, И. Е. Репин, станут неотъемлемым качеством живописи следующего поколения.
В музее имеется интересный раздел русского искусства рубежа XIX—XX веков. Произведения А. Е. Архипова, И. JI. Туржаиского, С. А. Виноградова, С. Ю. Жуковского, группировавшихся вокруг Союза русских художников, отражают повышенный интерес мастеров нового поколения к самой живописи, стремление передать непосредственное впечатление от натуры. В творчестве А. Е. Архипова счастливо сочетались, взаимно обогащая и дополняя друг друга, социальная и лирическая тенденции. Его «Обратный» относится к картинам, которые, по определению самого художника, посвящены «деревенской поэзии».
Тонкими эмоциональными переживаниями насыщает свои пейзажи C. Ю. Жуковский. Настроением спокойного, тихого вечера проникнут его «Зимний вечер», написанный под влиянием искусства И. И. Левитана. В картине «К весне» передается мажорное чувство пробуждающейся природы.
Созерцанием красоты мира проникнуто творчество К. А. Коровина. Яркое жизнеутверждающее начало его таланта и редкостный колористический дар с особой полнотой раскрылись в крымских пейзажах и натюрмортах 1910-х годов. «Гурзуф» и «Натюрморт. Розы» словно вобрали в себя все южные краски.
Свободно и уверенно кладет Коровин широкие мазки чистого цвета. Желание непосредственно и живо передать изменчивость красочной гаммы на открытом воздухе, при ярком солнце приводит его к освоению опыта импрессионистов, к пленэрной живописи. Контуры построек и предметов словно растворяются в потоках света. Однако живописная стихия сочетается с полновесной материальностью форм.
В начале XX века большими достижениями была отмечена портретная живопись. Яркая страница в искусстве портрета—произведения В. А. Серова, Б. М. Кустодиева, А. П. Рябушкина, С. А. Сорина.
Под впечатлением историко-художественной выставки, состоявшейся в 1905 году в Таврическом дворце, В. А. Серов написал стилизованный «Портрет Е. С. Карзинкииой», артистки московского балета. Почти одновременно с ним создавались портреты М. Н. Ермоловой и Г. Н. Федотовой. Портрет Карзипкиной был первым опытом в этом ряду и долгое время не давался художнику. Серов его переписывал. Возможно, поэтому здесь живопись положена несвойственным для Серова плотным слоем; лицо вылеплено мелкими мазочками, заглажено, как на полотнах старых мастеров.
Недаром исследователи творчества художника причисляли портрет к «неудачным, ложным подражаниям». Но совершенно по-серовски — широко, артистично — переданы копиа золотистых волос, синяя накидка, брошены мазки синего на белой блузе.
На портрете кисти А. П. Рябушкииа изображен близкий друг художника, соученик по Академии художеств, музыкант, ученик А. Н. Римского-Корсакова И. Ф. Тюменев. В конце 1880—1890-х годов Рябушкин много времени проводил в имении Тюмепевых Приволье, где написал портреты членов этой семьи. Илья Тюменев изображен как бы во время беседы, среди характерной обстановки: рядом пианино, на полу папка с рисунками, всюду книги. Рябушкин не был глубоким психологом, но в этом портрете он сумел верно передать характерную внешность и артистизм натуры своего друга. Неирнпуждепная поза, свободная небрежность костюма хорошо согласуются с художественным беспорядком, царящем в комнате.
Б. М. Кустодиев, автор многих жанровых сцен с яркими народными типами, был также прекрасным мастером портрета. Кустодиев любил писать близких людей. Постоянной моделью ему служил В. А. Кастальский, муж старшей сестры Александры Михайловны. Его черты легко узнаются в персонажах многих полотен Кустодиева. Интеллигентный, широко образованный талантливый человек — таким Кастальский предстает в многочисленных графических и живописных портретах художника, среди которых портрет 1910 года из таганрогского музея.
Сложность поисков новых средств художественной выразительности на рубеже XIX—XX веков способствовала возникновению многочисленных художественных объединений и группировок. Значительным явлением стало творческое объединение «Мир искусства», образовавшееся вокруг одноименного журнала. Помимо Серова, Коровина, Рябушкина, бывших активными участниками и экспонентами его выставок, ядро мирискусников составили А. П. Бенуа, К. А. Сомов, Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, И. Я. Билибин. За последнее время в галерее сложилась хорошая коллекция работ этих художников, особенно интересен графический материал.
В акварелях Бенуа и Добужинского с видами старинных парков Петергофа, Версаля, Царского Села звучит пота элегической грусти о прошедшем золотом веке, отзвук романтической печали о былой красоте. Обращаясь к историческим мотивам, они выражали эстетические идеалы, созвучные духовным устремлениям эпохи. Главным выразительным средством своих произведений Добужинский делает линию. В тонко проработанной акварели «Царское Село.
Камеронова галерея» рисунок отразил всю сложнейшую гамму изысканного архитектурного пейзажа с его узором чугунного литья ворот, живописной старой каменной кладкой Холодных бань, красотой оголенных переплетающихся ветвей дерева.
Искусство графики достигло в творчестве мирискусников необычайно высокого развития; это не только акварели и рисунки, но и книжная иллюстрация, техника силуэта и цветной гравюры. Примером может служить мастерски исполненная цветная монотипия Е. С. Кругликовой «Улица мнра. Вандомская колонна».
К «Миру искусства» принадлежала 3. Е. Серебрякова. В изображении натуры она шла не столько от образов, рожденных фантазией, сколько от непосредственного восприятия. Уже в раннем творчестве Серебрякова проявила себя как талантливый портретист. Неоднократно она писала портрет писателя Г. И. Чулкова. Портрет 1910 года очень эмоционален. Его живописный строй определяет насыщенный синий цвет рубахи, образующей большое пятно, словно отраженное в голубых глазах портретируемого. Работа выполнена темперой на бумаге, в манере, сходной с живописью маслом. Сочные мазки кисти производят впечатление работы масляной краской, голова вылеплена очень объемно. Еще увереннее, энергичнее акцентируется лицо модели цветом в графическом листе «Марокканец в зеленом». В большинстве произведений Серебряковой 1920—1930-х годов сложно разработанный цвет начинает активно участвовать в построении формы и пространства. Это заметно сказалось и в «Натюрморте со спаржей и земляникой».
Повышенная декоративность свойственна «Восточной сказке» С. Ю. Судейкина. Как участник творческого объединения «Голубая Роза» он увлекался поисками изысканной изобразительности. Декоративно-условная композиция, изображающая мавра и женщину с газелью, обнаруживает умение художника мыслить условно-театральными образами, что проявится в его более позднем творчестве. Стремление подчинить натуру лирическому замыслу отличает искусство В. Э. Борисова-Мусатова («Терраса»).
В пейзаже А. И. Мильмана «Деревенская улица» художественный прием скрещивания и преломления плоскостей способствует созданию иллюзии четкости объемов и пространства. Острое чувство натуры отличает ранний натюрморт П. П. Кончаловского «Букет тюльпанов».
Собранные в галерее за последнее время произведения советских мастеров живописи, графики, скульптуры дают определенное представление о развитии советского изобразительного искусства. Немногочисленными, но характерными полотнами представлена живопись 1920—1930-х годов. События Великой Октябрьской социалистической революции по-разному нашли отражение в творчестве художников старшего поколения. Большинство из них, например И. Э. Грабарь, С. А. Виноградов, В. К. Бялыницкий-Бируля, в своем стремлении ответить на запросы времени создали глубоко реалистические произведения, проникнутые светлым жизнеутверждающим началом. Особенно ярко эти черты заметны в пейзажах А. А. Рылова и И. Э. Грабаря.
«Бурный день на Каме» написан Рыловым в 1918 году, одновременно с его широкоизвестной картиной «В голубом просторе» (Государственная Третьяковская галерея). Потемневшее небо, неспокойные воды реки, напряженный колорит хорошо передают состояние природы, созвучное героическим событиям, происходившим в России.
Романтической взволнованности исполнен пейзаж Грабаря «Въезд в усадьбу», созданный несколькими годами позднее. Густыми мазками кисти художник передает свежее дуновение ветра, пробежавшего по вершинам берез, стремительное движение облаков, смелым сопоставлением лазури неба и интенсивного цвета зелени усиливает ощущение праздничного настроения, царящего в картине.
Пейзаж «Старая Москва» Н. М. Чернышева, изображающий Москву-реку с вырисовывающимся на горизонте силуэтом величественного собора, написан с эпическим размахом, сильно и уверенно.
В музее сложилась небольшая коллекция работ крупнейшего пейзажиста П. П. Крымова. С особенной живописной силой художник раскрывает образ родной земли в серии пейзажей 1920-х годов, созданных в Звенигороде, в любимых левитановских местах — Саввинской слободе. В этих работах Крымов продолжает традиции реалистической живописи русской пейзажной школы. Пейзажи «Вечер в деревне», «После дождя», прекрасно передающие тишину закатного часа, серебристую воздушность, открывают в Крымове большого художника-лирика, тонко чувствующего жизнь природы.
Характерные приметы нового времени можно найти и в небольшой картине «На фабрике» А. В. Псупова.
Пейзажная и тематическая живопись 1930-х годов представлена в собрании музея работами А. А. Лабаса, Г. Г. Ряжского, А. А. Осмеркина, Г. М. Шегаля, А. А. Рылова. В этих произведениях проявилось оптимистическое начало искусства социалистического реализма. Наряду с бытовой картиной и пейзажем интересны портреты 1930-х годов («Портрет Ярцевой на красном фоне» С. В. Малютина, «Девочка с яблоками» Е. А. Малеиной), натюрморты старейшего художника И. И. Машкова и его ученика А. Б. Шимановского, исполненные в близкой живописной манере. Относящийся к позднему, абрамцевскому, периоду творчества натюрморт «Букет в стеклянной посуде.
Розовые розы, пионы, георгины и гладиолусы» Машкова написан без деформации формы предметов, характерной для ранних произведений этого мастера, сдержанней стала живописная палитра. Однако и этот натюрморт по-машковски декоративен и наряден: яркие розы, белые ромашки и гвоздики, фиолетово-синие георгины искусно изображены на серовато-коричневом фоне.
К лучшим полотнам послевоенных лет, хранящимся в музее, относятся «Весна» А. М. Герасимова и «По дорогам Отечественной войны» С. В. Герасимова. Первое из них отличается повышенным оптимистическим звучанием, ликующе-радостным восприятием мира. Второму присуща сдержанная, вдумчивая, лирическая интонация. Вместе с С. В. Герасимовым лирическую линию в советском пейзаже продолжают Н. М. Ромадин («Вербы в половодье. Вербы в разливе Керженца»), А. П. Ткачев («Летний дождик»).
Интересны картины В. Ф. Стожарова этих лет. По обыкновению прост и незатейлив «Натюрморт с рябиной» — набор крестьянских предметов, показанных на фоне бревенчатой стены дома. Но художник создал емкий художественный образ. За тщательностью, с какой он пишет туеса, ковши-утицы, гроздья спелой рябины, золотую антоновку, чувствуется бережное отношение, глубокая любовь ко всему национальному, русскому, народному. Она Hie заставляет живописца пристально всматриваться в ту природу, которую он пишет,— пейзажи Севера, виды древнего Пскова.
К концу 1960-х годов усиливается тенденция художников ко все более углубленной интерпретации традиционных тем, разнообразию живописно-пластических решений. Произведения из собрания музея дают достаточный материал для отражения этого явления.
Мастерство монументальной формы проявилось в картинах П. П. Оссовского. Этот художник принадлежит к поколению «суровых романтиков», заявивших о себе в начале 1960-х годов. Большое полотно Оссовского «Рыбаки Псковского озера» можно назвать своего рода программным в творческом развитии живописца. В этой картине, известной в нескольких вариантах, Оссовский приходит от подчеркнутой героики более ранних работ к внешней статике и внутренней значительности образов.
Стоящие плечом к плечу крепкие молодые парни-поморы воплощают образ нашего современника. В простом художник видит значительное, в знакомом будничном явлении ищет общее. Поэтому лица людей на полотне подчеркнуто строги, жесты сдержанны. Скрытый монументализм образов проявляется в четкости силуэтов, некоторой застылости поз, строгой продуманности цвета. По внутреннему строю и характеру решения живописных задач к произведению Оссовского близок «Натюрморт с горшочками»
А. Ю. Никича.
Искусство 10. М. Ракши свежо, лирично. По-своему самобытно возрождает художник романтику трудовых будней комсомольских строек 1930-х годов в картине «Моя мама».
Народные национальные традиции питают творчество художника из Татарии И. К. Зарипова. В картине «Дома» в образе крестьянки с ребенком, окруженной привычным деревенским уютом, автор воплощает вечную тему радости материнства. В произведении преобладает излюбленный Зариповым красный цвет. В живописном строе полотна, в узорочье цветочного орнамента ощутима стилизация под народный примитив.
О. Г. Филатчев, наоборот, словно отстраняясь, смотрит на модель. Его творчество иного эмоционального склада. В картине «Северобайкальск. Молодая семья» женщина, ребенок, мужчина открыто позируют художнику. Внешне персонажи мало связаны друг с другом. Но вместе с тем ощущается их внутренняя связь — перед нами молодая советская семья, частица современного общества. Точно найденные детали помогают передать приметы времени, ритм жизни современного города. Почти скульптурная проработка объемов, насыщенность локальных красок придают картине монументальность и торжественную значительность, свойственные классическим произведениям мастеров Возрождения, к творческим образцам которых так любят обращаться современные художники.
Собрание Таганрогской картинной галереи постоянно пополняется и расширяется. Коллекции отделов русского, советского, декоративно-прикладного искусства позволяют изучать историю отечественной культуры, проводить изыскательскую работу, восстанавливать историю художественной жизни дореволюционного Таганрога и следить за современной. Картинная галерея играет заметную роль в культурной жизни города, родины А. П. Чехова.
Таганрогская картинная галерея
