Искусство национальных школ барокко

Искусство национальных школ барокко

Великолепие и достоинство, театральность, строгое соблюдение норм лежали в основе всего. Безусловное служение церкви и государству было идеалом общества, власть монарха была обожаема и обожествлялась.
Церемониальная торжественность доминировала в общественной жизни, и общество воспринимало ее с полной серьезностью.
Й. Хейзинга Кальдерон де ла Барка, великий испанский поэт XVII в., в пьесе «Великий театр мира» вывел точную формулу барочного мировосприятия: «мир как театр».

Барокко (ит. barocco, букв. — странный, причудливый ).

17 в. для Европы — время становления культуры, доминантой которой является наука. Особенность нововременной науки — ее экспериментальный характер. Именно поэтому следствием начавшейся научной революции стал непрекращающийся технический прогресс. Существующая со времен античности картина мира претерпевает кардинальные изменения. Теперь мир постигается через систему законов, выраженных на языке математики. Образ мира, который передавался символическим строем искусства, утратил свое мировоззренческое значение.
Искусство связано с происходящими в культуре Нового времени изменениями. Становится возможным сосуществование нескольких стилевых систем. Искусство окончательно утрачивает религиозный характер, становясь светским по своему духу. Появляются такие новые жанры, как натюрморт и анималистический жанр (изображения животных).
В архитектуре — это время новых градостроительных идей, расцвета садово-паркового искусства, создания грандиозных дворцовых ансамблей.

Происходит обновление творческого метода художника. Более напряженной и динамичной становится композиция, цветовая нюансировка, развитие тонального колорита, изобретательное использование светотени.
Развитие искусства протекает в рамках национальных школ.
Великими художественными державами становятся в XVII в. Испания, Франция, Голландия и Фландрия. В Италии и Франции на первые роли выходит архитектура, монументальная скульптура, монументально-декоративная живопись. В буржуазной Голландии ведущую роль играет станковая живопись.

Ведущим стилем эпохи выступает барокко. Центром формирования новой системы явился Рим.
Идея барокко двойственна по своему содержанию. Соотношение религиозной, сословной, эстетической идей и непосредственной стихии жизни создает конфликт полноправного земного существования и одухотворенной вечной жизни: грубой телесности и чистой духовности; хаоса и порядка; безобразия и красоты; низменного, животного существования и возвышенного служения.

Для барокко характерно преобладание изображений чудес и мучений, гиперболичность, аффектированность и патетика, эмоциональная напряженность, контрасты и асимметрия, тяготение к грандиозности, перегруженности декоративными элементами, криволинейность очертаний, пышность и декоративность фасадов и зданий в архитектуре.
В барокко обе стороны противоречия абсолютны, крайности сходятся, контрасты борются: страдание предстает как доведенное до предела удовольствие, острота жизненных переживаний на грани и краю смерти.
Отклонение от нормы, от правил, склонность к гротеску — черты барочного мировосприятия. Жизнь человека непредсказуема и вызывает изумление, удивление, потрясение. Цель искусства — в передаче этих чувств. Барокко стремится подражать природе в ее стихийной мощи.

Киворий —алтарная сень, поддерживаемая колоннами.
Картуш (фр.) — орнамент в виде завитка или свитка.

Двойственность мировидения барокко проявилась в таких чертах, как мистика, фантастичность, иррациональность, экспрессия, с одной стороны, рассудочность и трезвость — с другой.
Живописи барокко присущи светотеневые контрасты, нарушение принципов прямой перспективы, динамизм композиции, который подчеркивается развертываением действия по диагонали к плоскости изображения.
В изобразительном искусстве преобладают декоративные композиции религиозного, мифологического характера, парадные портреты. Идеализация образов сочетается с оптическими эффектами.
Искусство барокко интенсивно развивается в оставшихся католическими странах — Италии, Испании и Португалии, Фландрии, позже в Германии, Австрии, Англии, Скандинавии и Восточной Европе.

Итальянское барокко
Родиной барокко была Италия. Замечательным мастером итальянского барокко был Джан Лоренцо Бернини (1598-1680), который обучался в мастерской отца. Первый заказ как скульптор получил в 16 лет. В 1623 г. покровитель Бернини кардинал Маффео Берберини стал папой Урбаном VIII и мастеру было доверено убранство собора св. Петра.
Его деятельность была многогранна: он создавал церкви, уличные фонтаны, портреты, статуи, надгробия и алтари. Аллегорические фонтаны, созданные Бернини — фонтан Тритона, композиция которого состояла из четырех дельфинов, которые несут трубящего в раковину морского бога. Фонтан четырех рек представлял уникальное соединение обелиска с фонтаном. У подножия четырех скал помещались символические изображения рек четырех континентов — Ганга, Нила, Ла-Платы, Дуная.

Искусство Возрождения знало образы Давида, созданные гением Донателло и Микеланджело. Новым в статуе Давида Бернини был показ драматизма борьбы, острота конкретной характеристики, бурная динамика. «Аполлон и Дафна» привлекли к Бернини всеобщее внимание.
В 1647 г. Бернини приступил к работе над композицией «Экстаз святой Терезы» для капеллы Карпачо в церкви Санта-Мария делла Вит- ториа. Капелла имела форму сцены, в верхнем ярусе которой находился алтарь, позади которого возвышение — ниша эллиптической формы, окруженная двойными колоннами.

Монахиня, историческое лицо, в своих письмах описывала страстное экстатическое состояние, болезненные видения, поражающие ее во время молитвы. Мраморная группа «Экстаз святой Терезы» помещена на подножии из серого мрамора, изображающем облака на фоне ярко сверкающих металлических лучей.
Бернини принадлежит серия парадных репрезентативных портретов, лучшие из которых — «Портрет кардинала Боргезе» 1632 г., «Портрет Констанцы Буонарелли» 1635 г. Он говорил, что при изображении кого-нибудь с натуры все дело состоит в том, чтобы уметь уловить то качество, которое свойственно только данному человеку и которого природа не дала другим, а дала только ему, но чтобы необходимо выбирать особенность не безобразную, но прекрасную. Чтобы портрет удался, следует выбрать какое-либо действие и попытаться хорошо передать его; наилучшим моментом для изображения рта, является тот, когда человек только что кончил говорить или, наоборот, собирается заговорить; он пытался поймать этот момент. Как архитектор, Бернини длительное время работает над собором Святого Петра, где выполняет торжественную сень над алтарем в соборе святого Петра.

В нишах подкупольных устоев Бернини поместил колоссальные мраморные статуи, в центральной апсиде храма разместил кафедру св. Петра. В 1656-1667 гг. архитектор создает площадь перед собором св. Петра: от краев фасада галареи и коридоры образуют соборную паперть в форме трапеции, от концов галереи 284 колонны оформляют овал площади. В 1663-1668 гг. Бернини создает королевскую лестницу собора св. Петра, применяя иллюзию сужения лестницы и арочных пролетов.
Еще одним крупным мастером римского барокко был Франческо Кастелли, по прозвищу Борромини (1559-1667), чьи работы исполнены драматизма, динамизма. Одним из характерных произведений Борромини стала церковь Сан Карло алле Куаттро Фонтане в Риме. В основе объемов в церкви овал, перекрытый куполом, пространство усложнено расположенными крест-накрест эллиптическими нишами и проемами в соседние помещения. Волнообразная лепка поверхностей интерьеров и наружных объемов введена Борромини в язык барочных средств выразительности. Церковь Сант-Иво алла Сапиенца поставлена Борромини в глубине вытянутого двора университета, план церкви строится на двух пересекающихся равносторонних треугольниках, образующих шестиконечную звезду, ее фасад вогнут. Над стеной расположен многолопастный барабан, окруженный шестью группами спаренных колонок, над которым уходящая вверх спираль с венчающей короной.

Пьетро да Кортона (1596-1669) был прославленным декоратором. Ему принадлежат украшения дворца Питти во Флоренции, где он декорировал анфиладу из семи комнат изображениями богов Олимпа, соответствующих планет и добродетелей тосканского герцога.
Микеланджело Меризи, прозванный Караваджо (1571-1610), был первым художником общеевропейского масштаба.
Основной сферой творческого действия Караваджо оказался традиционный круг образов христианской мифологии в полотнах на религиозные сюжеты. Караваджо постоянно изображал сцены страстей и мученичества, в каждой сюжетной ситуации выделяя ядро действия, решительно отбросив все остальное.
В первый период творчества от прибытия в Рим около 1591 г. до 1597-1598 гг. Караваджо предпочитал полуфигурные композиции с одним, двумя, максимум тремя персонажами («Юноша с корзиной фруктов» и «Юноша, укушенный ящерицей», «Лютнист»).

Тенеброзо (ит.) — живопись с отчетливым контрастом светлого и темного и сильными бликами.
Караваджизм —художественное направление в западноевропейской живописи XVII в., воспринявшее в искусстве Караваджо прежде всего интерес к передаче бытовых сюжетов, простонародность, живописные приемы освещения, создающие напряженность и драматизм переходов от света к тени.

Новизна «Гадалки» 1594 г. Караваджо состояла в использовании двухфигурной композиции с тесной смысловой связью между героями. В «Шулерах» 1596 г. действие приобретает открыто динамический характер с впервые появившейся здесь богемно-разбойничьей тематикой.
После 1598 г. Караваджо целиком обращен к мифологической тематике. Принцип, который положен в основу ранних мифологических полотен, — это травестийная мифологизация натурных мотивов. Таков «Вакх» 1594 г., «Амур-победитель».
В это время в католических странах алтарная картина приобрела расчет на более активный контакт со зрителем. Смелое низведение персонажей Священной истории на уровень зрителей, подчас грубой реальности, простота и человечность ее героев устраняют привычную дистанцию между ними и зрителем и повышают силу их непосредственного воздействия.
Программное значение для европейской живописи XVII в. имеет цикл Контарелли в римской церкви Сан Луиджи Деи Франчези 1599- 1602 гг., который состоит из трех больших картин: центрального над- алтарного изображения св. Матфея с ангелом и двух более крупных боковых композиций, одна из которых изображает призвание, а вторая — мученическую смерть святого. «Призвание св. Матфея» по своей образности сопоставима с главными созданиями Рембрандта и Веласкеса.

Матфею приданы спутники авантюрно-богемного склада, к тому же изображенные в одеяниях начала XV в. Именно с этой реальной жизнью вступают во взаимодействие персонажи «идеального плана» — Христос и сопровождающий его Петр. В картине Караваджо впервые трактует пространство, прежде не имеющее самостоятельного значения, оно обретает самостоятелный характер. Как всегда, у Караваджо проблема среды связана со светотенью, которую уже в это время называли «подвальной».
Второй крупной работой художника стал цикл Черази в римской церкви Санта Мария дель Пополо, который состоял из двух композиций вертикального формата — «Распятия св. Петра» й «Обращения Павла». Обе композиции имеют общность в сильном драматическом напряжении, в масштабном и колористическом единстве. И в «Распятии св. Петра», и в «Обращении Павла» представлено ядро ситуации, пластический сгусток действия. Группу произведений, созданных на рубеже
XVII в., завершает картина «Христос в Эммаусе», которая представляет явление Христа, перешагнувшего грань земной жизни, двум ученикам.

Основные интересы Караваджо теперь направляются на создание монументальных алтарных композиций, которым уже тесно в отдельной капелле. Первой из них было ватиканское «Положение во гроб» 1602-1604 гг., предназначенное для новой барочной церкви Санта Мария ин Валличела. «Положение во гроб» сопровождала слава лучшего произведения Караваджо. В героизации Христа, в отсутствии нимбов, в отказе от принятой в алтарных композициях подобного рода системы двух зон — земной и небесной — дают знать секуляризующие тенденции.

В работе «Смерть Марии» 1606- 1607 гг. эмоции выявлены более сдержанно, в персонажах подчеркнута общность переживаний. Значительность центрального образа не столько в нем самом, сколько в глубоком чувстве горя и безутешной печали, которое исходит от апостолов, собравшихся вокруг смертного одра.
Караваджо вел двойную жизнь, был замешан в ряде преступлений. По обвинению в убийстве подвергся преследованиям, бежал из Рима и умер в изгнании.
Караваджо сюжетно определил направление живописи XVII в.

Испанское барокко

В состав Испанской державы в XVI в. входили Нидерланды, некоторые области Италии, север Африки, а также колонии в Новом Свете. В 1561 г. Филипп II основал новую столицу Мадрид, а в 1563 г. недалеко от новой столицы началось возведение Эскориала, соединявшего дворец, монастырь и усыпальницу королей.

Эскориал был сооружен в 45 км от Мадрида у скалистых отрогов Сьеры-де-Гвадаррамы. Сооружение ансамбля было начато в 1563 г., велось под личным присмотром короля. Своим названием Эскориал обязан селению Эль-Эскориал близ опустевших железных рудников (escoria исп. — шлак). Эскориал расположен у подножия амфитеатра гранитных серо-стальных скал. Возглавил строительство комплекса Хуан дс Эррера (ок. 1530-1597). Эскориал представляет собой гигантский прямоугольник со сторонами 208 на 162 м с четырьмя башнями высотой 56 м по углам. Выразительность фасадов достигнута подчеркнутым лаконизмом гладкой плоскости стены с часто расположенными окнами. Доминантой ансамбля является собор, знак того, что Эскориал представляет собой ансамбль- монастырь.

Живопись

Расцвет живописи в Испании предвосхищает творчество Эль Греко (Доменико Теотокопули) (1541- 1614), родившегося на Крите. В возрасте 14-15 лет он попал в Венецию и там обучался в мастерской Тициана. Колорит великого мастера оказал на него сильное влияние. Он также испытывает влияние Тинторетто и Веронезе. В 1570 г. художник прибыл в Рим, а в 1576 г. переселился в Испанию. В это время Филипп II намеревался украсить Эскориал, и Эль Греко рассчитывал получить заказы на росписи дворцовых покоев. Не пришедшись ко двору в Мадриде, Эль Греко обосновывается в Толедо. В написанных в Испании картинах Эль Греко проявляет свою индивидуальность: отказываясь от законов перспективы, он строит пространство произвольно, иррационально, смещает земные и небесные планы. Фигуры вытягиваются, части тела деформируются. Головы людей приобретают эллиптическую форму. Цвет на его картинах является средством передачи настроения, а не действительности: на холодную, зеленовато-синюю основу ложатся резкие пятна более теплых тонов, раздражающие своим контрастом. Вся поверхность охвачена опалово- сероватой лазурью. Особенно характерно решение человеческого тела. Совершенно лишив лица, руки и другие не прикрытые одеждой части тела всех оттенков красного, придающего фигурам жизненность, он употреблял оттенки исключительно желтого и серого цвета.

Бодегон (от исп. bodegon — съестная лавка, трактир, погребок) — традиционный жанр испанской живописи, характеризующийся изображением сцен в трактире, на улице, в лавке, с участием небольшого количества персонажей и с элементами бытовой сцены и натюрморта.

В 1586 г. Эль Греко создает свою знаменитую картину «Похороны графа Оргаса». На переднем плане он поместил мальчика, указывающего На графа Оргаса. Все присутствующие показаны в состоянии горестного размышления. Картина разделена на два плана — в мире небесном показаны Христос и святые.
Диего Веласкес родился в 1599 г. в Севилье, бывшей в это время культурным центром Испании. Первые уроки живописи он получил в мастерской известнейшего мастера Франсиско Эрреры Старшего, затем продолжил учебу у Франсиско Пачеко, который предоставил полную свободу своему ученику. Выдержав экзамен и получив в жены дочь Пачеко Хуану, Веласкес начинает самостоятельно работать. Первые из его картин принадлежали к жанру «бодегон». По рекомендации тестя в 1622 г. он попадает в Мадрид, где получает известность как портретист, умеющий схватить саму сущность изображаемого человека.

На Веласкеса оказывает влияние общение с Рубенсом, который был в Испании в 1628 г. Во время пребывания в Италии, куда художник был послан, чтобы пополнить дворцовую коллекцию картин, он пишет «Кузницу Вулкана», которая демонстрирует свободу письма и богатство цветовой палитры. Для оформления королевского дворца вблизи Мадрида Веласкес пишет «Сдачу Бреды» — первую историческую картину, в которой нет аллегорий, ложной драматизации событий и в которой отдается уважение мужеству проигравших сражение. В 1649 г. Веласкес вновь отправляется в Италию, где создает по сути импрессионистские пейзажные картины. За портреты, написанные в Риме, художник избирается в члены Академии святого Луки. Вершиной явился его портрет папы Иннокентия X, про который сам папа сказал, что он слишком похож. Со времени возвращения в Испанию в 1651 г. начинается период наивысшего расцвета творчества Веласкеса. В 1658 году он пишет свою знаменитую картину «Менины» («Фрейлины»), несколько лет спустя «Миф об Арахне», в которой демонстрирует построение одного пространства в другом. Веласкес умирает в возрасте 61 года в 1660 г.

Сюжет мифа об Лрахне: Арахна прославилась своим ткацким искусством. Девушка посмела бросить вызов самой Афине, которая вступила в соревнование с Арахной. Не найдя в работе Арахны изъяна, оскорбленная вытканными темами любовных похождений своего отца Зевса Афина превратила девушку в паука.

Хусепе Рибера (1591-1652) еще в молодости уехал в Италию, где прожил всю свою жизнь. Однако по духу творчества он остался испанцем. В своих работах «Мучение св. Андрея» и «Мучение св. Варфоломея» Рибера стремится передать величие духовного подвига. Точка зрения художника на происходящее — сверху вниз, главные фигуры изображены на фоне неба. Живопись Риберы тяжеловесна, картины выдержаны в коричневых тонах. В творчестве Риберы проявились реалистическое видение, трактовка святых как народных героев, интерес к городским низам, свежесть колористического решения.
Франсиско Сурбаран (1598-1664) стал главным художником Севильи в 1629 г. Он писал алтарные картины для монастырей, посвященные жизнеописаниям святого Доминика и святого Бонавентуры. Изображения чудес у Сурбарана нелепы, ангелы простоваты, пространство условно, герои суровы и аскетичны. Черный цвет художника богат, а белый не знает равных. Излюбленный прием художника — построение цветовой композиции на соотношении крупных темных и светлых плоскостей.
Расцвет испанской живописи «золотого века» оказался кратким и завершился к середине 50-х гг. XVII в.

Фландрское барокко

К концу XVI в. ряд северных провинций превращается в самостоятельную буржуазную республику. Южные провинции остались под гнетом испанцев.
Питер Пауль Рубенс родился в 1577 г. в Зигене. В 1587 г. после смерти отца вместе с матерью возвратился из Германии в Нидерланды. Учился у Отто Вениуса, который представил своего ученика наместникам испанской короны в Южных Нидерландах, а те рекомендовали молодого художника герцогу Мантуанскому. В 1598 г. Рубенс был принят в гильдию св. Луки, что дало ему право работать самостоятельно. В 1600 г. он едет в Италию, где проводит 8 лет. В Италии Рубенс вошел в круг известных художников, наряду с копиями картин других мастеров он создает ряд алтарных образов, много работает как портретист. Среди созданных им в это время картин мифологического жанра представлено изображение трех граций, «Ромул и Рем с волчицей», он работает в жанре большого конного портрета. Громадное значение для Рубенса имело знакомство с произведениями Караваджо. В 1608 г. Рубенс возвращается в Антверпен и женится на Изабелле Брандт. Могущественные ремесленные корпорации стали поручать ему большие заказы. Рубенс создает алтарные картины почти для всех католических церквей Южных Нидерландов, одна из них — «Водружение креста», созданная для церкви св. Вальпургии в 1610-1611 гг. Ощущение динамики создавала диагональ креста, а также движение фигур, идущих в противоположных направлениях. Стремление Рубенса разрушить замкнутость пространства картины — одна из отличительных черт барокко. Особым драматизмом отмечена алтарная работа «Снятие с креста» для Антверпенского собора, выполненная в 1612 г. Картина изображает момент, когда ученики Христа снимают с креста мертвое тело учителя.

Изучая памятники античного искусства, Рубенс никогда не повторял буквально созданный древними идеал прекрасного. Не столько классическая строгость и красота пропорций волнуют художника, сколько телесная физическая мощь, движение («Статуя Цереры», «Союз Земли и Воды», ок. 1615 г., «Вакханалия», «Венера и Адонис», «Персей и Андромеда», 1620-1621 гг.). Не позднее 1619 г. Рубенс пишет одно из своих лучших творений — «Битву с амазонками». В 1620 г. Рубенс заключает договор на выполнение алтарных картин, 33 эскизов потолочных росписей и 36 плафонов для боковых нефов и верхних галерей для церкви св. Карла Борромея в Антверпене. А в 1621 г. Рубенс в Париже при дворе вдовствующей королевы Марии Медичи создает эскизы 12 монументальных картин для большого зала Люксембургского дворца, изображающих в аллегорической форме жизнь королевы. Картины были выполнены к 1625 г. Слава Рубенса стала всеевропейской, что частично помешало его творчеству, так как эрцгерцог Фердинанд привлек мастера к исполнению дипломатических поручений. Около 10 лет, с 1623 г. Рубенс вел сначала тайные, а затем публичные переговоры с государственными деятелями Голландии и Англии с целью заключения мира в Южных Нидерландах.
Последние десятилетия своей жизни Рубенс вновь посвятил живописи.

Он работал над монументальным циклом картин, посвященных Генриху IV, создал ряд алтарных картин, среди которых «Святой Рох» для церкви св. Мартина в Алосте 1631 г. После смерти Изабеллы Брандт Рубенс женится на 17-летней Елене Фоурмент, чью красоту и молодость он запечатлел на 19 картинах. В это время он приобрел замок Стен близ Малина, где подолгу жил. Именно в этот период им была написана большая часть пейзажей. Драматический дар художника проявился в его последних работах — «Избиении младенцев», «Несении креста» и «Стигматизации св. Франциска». Рубенс умер 30 мая 1640 г.

После смерти Рубенса главой антверпенской школы живописи стал Якоб Йордане (1593-1678), работавший во многих жанрах живописи. Особой славой пользовались его жанровые картины. Он прославил жизненную силу, тесную связь с реальностью бюргерства в таких работах, как «Портрет семьи Йорданса», «Семейный портрет», «Бобовый король». Своих героев художник воспроизводил в натуральную величину, а часто и больше нее. Число персонажей картин, как правило, невелико. Они написаны вплотную к переднему краю картины. На один и тот же сюжет Йордане писал несколько картин.
Антонис Ван Дейк (1599-1641) был одним из самых известных учеников Рубенса. Став придворным художником инфанты Изабеллы, ван Дейк писал портреты не только антверпенских бюргеров, но также фламандской и испанской аристократии. В 1632 г. художник принимает приглашение короля Англии Карла I и переезжает в Англию. В портретах английской придворной аристократии он тонко почувствовал и передал атмосферу английского двора. Выполняя многочисленные заказы, художник выработал определенную схему парадного портрета. Он часто повторял одни и те же удлиненные пропорции фигур, позы, жесты. Искусство Ван Дейка все более аристо- кратизируется, колористическое решение отличается большей декоративностью, обращением к холодной голубовато-серебристой гамме. Ван Дейк создал около 30 портретов Карла I, множество портретов его жены Генриетты-Марии и детей короля. Одним из лучших является «Портрет Карла I», 1635.

Франс Снейдерс (1579-1657)— крупнейший из фламандских ху- дожников-анималистов и мастеров натюрморта. Его «Лавки» 1618- 1621 гг. написаны для украшения столовой во дворце епископа Антония Триста в Брюгге. Типичен его натюрморт «Рыбная лавка» с простой и монументальной композицией: картину держит горизонталь огромного стола.
Со старо-нидерландскими брейгелевскими традициями связано творчество Адриана Браувера и Давида Тенирса-младшего.
Адриан Браувер (1605-1638) писал небольшие жанровые картины — сценки в кабачках и пейзажи.
Для художника была характерна золотистая, полная цветовых акцентов живопись, соединение жестоких и грубых мотивов с уравновешенной композицией.
Давид Тенирс-младший (1610- 1690) писал пейзажи и занимательные жанровые картинки. Из-под его кисти выходили пейзажи, портреты, аллегории, переданные равнодушной кистью.